NY BIENNALE ART Press

CHIN CHIH YANG THE WAR AGAINST AIDS/HIV

2009-11-27T02:59:00.000-08:00

The War Against AIDS/HIV
PROJECT by CHIN CHIH YANG

Curator: Pietro Franesi

Dear Friend,
Please come to join the group exhibition at the opening of FRAMING AIDS 2009 - Queens Annual Observance of World AIDS Day Through The Arts at the Queens Museum of Art on Sunday, November 29, 3 - 7 PM.
Also I'd like to share some images from my last performance "Carry Water"
Best Regards,
Chin Chih
Pietro Franesi

Carry Water I - Oct. 10, From New Museum to Chelsea Art Museum
Carry Water II - Oct. 17, From Whitney Museum to Guggenheim
Carry Water III - Oct. 24, From MoMA to Metropolitan Museum of Art.
FRAMING AIDS 2009FRAMING AIDS 2009, Queens’ Annual Observance of World AIDS Day Through the Arts, a program of QMAD, Queens Media Arts Development, presents Art Exhibition, Film Screenings, Panel Talks, and Online Multimedia Projectsin observance of World AIDS Awareness from November 29 through December 20, 2009 in various venues in Queens, NYC. (Queens, NY- November, 2009)- For the fifth consecutive year, QMAD, Queens Media Arts Development, has organized the presentation of FRAMING AIDS 2009, Queens’ Annual Observance of World AIDS Day Through The Arts. The three weeks multidisciplinary-cultural event consists of Art Exhibition, Film Screenings, Online Media Projects and community outreach programs created to raise awareness about the AIDS Pandemic in local communities of Queens and NYC at large. ART EXHIBITION: The Good, The Bad, and The Ugly, November 29 – December 20, hosted at The Queens Museum of Art: Partnership Gallery, will feature the work of local artists who were selected based on this year’s theme: the current Healthcare Reform discussed in Capitol Hill and its possible impact on people affected by HIV/AIDS. FRAMING AIDS 2009 Exhibition, “The Good, The Bad and The Ugly,” curated by Ada Cintron, is a multidisciplinary event including visual arts, performance, opera, dance and poetry. Cintron states that the exhibition “reflects on the socio=economic, political, moral aspects of the actual healthcare system in the United States, and addresses the fact that our society, in terms of healthcare, fails to adhere closely to the Universal Declaration of Human Rights.” Hector Canonge, Director of the program, explains that “the program is timely because it raises present concerns about HIV/AIDS in an environment that leads to reflection and dialogue where artists, community groups, government agencies and organizations come together and share their voices.” Participating artists include : Caroline Falby, Jack Waters & Peter Cramer, Chin Chih Yang, and Jeremy Landau whose work articulate the differences between the American system and that of other countries; Charles Lum, Michael Vickers, Joyce McDonald, Hima B., Hartioun Tenguerian, and Carlos Rodríguez discuss how HIV/AIDS patients live in a system that looks to individuals as consumers rather than human beings. And last but not least, Margot Lovejoy, Micheline Klagsbrun & Ken Grossinger, LaThoriel Badenhousen and Priscilla Mercedes question the moral and ethical aspects of the controversial proposed reform. The Opening Reception, Sunday, November 29, 3 - 7 PM, will feature the poetry of Amir Parsa, opera by Gian-carla Tisera, dance byInbred Hybrid Collective and performance by Jack Waters & Peter Cramer. As part of the outreach program, the event also includes an on-site HIV testing installation facilitated by APICHA, Asian & Pacific Islander Coalition on HIV/AIDS. The Closing Event, Sunday, December 20, 5 – 7 PM, includes multimedia performances, and Artist Talk with participant guest artists, community AIDS activists, and representatives from APICHA and AIDS Center of Queens County, ACQC. --.

LA LUCE CHE GENERA LO SPAZIO / ROMA 2009

2009-11-27T02:51:00.000-08:00

CARLO BERNARDINI,
LA LUCE CHE GENERA LO SPAZIO

Luogo: Galleria Delloro
Indirizzo: via del Consolato 10 – 00186, Roma.
Vennissage: Venerdì 4 dicembre ore 19.00 (fino al 15 febbario)

orari: martedì-sabato 16.30-19.30
telefono: 06 / 64760339
Web: www.galleriadelloro.it
Mail: info@galleriadelloro.it

Geometrie di luce rimbalzano fra i palazzi per poi aggredire le sale della galleria, le fibre ottiche penetrano dalle facciate dei palazzi negli spazi espositivi coniugando così l’ambiente esterno con l’ambiento interno.
Delloro Arte Contemporanea è lieta di presentare il primo intervento ambientale urbano di Carlo Bernardini a Roma.
Dopo qualche anno di assenza nella capitale l’artista ci stupisce ancora una volta con un’installazione site specific che coinvolge oltre gli spazi espositivi i palazzi prospicienti alla galleria.
Come lo stesso artista ci rivela “L’installazione si appropria dello spazio e lo fagocita nel suo interno. E’ un rapporto di dominio quello che la forma spaziale instaura con il luogo, lo penetra, lo feconda, lo riduce in suo potere sino a trasformarlo in essa stessa”.
Le linee di luce ridisegnano la facciata cinquecentesca di San Giovanni dei Fiorentini che fa da sfondo all’intervento in fibra ottica di via del Consolato, allo spettatore viene rivelato uno spazio riconfigurato completamente, le architetture circostanti continuano ad esistere ma reinterpretate con diverse prospettive, un nuovo piano geometrico vi si sovrappone ma contemporaneamente interagisce e dialoga con esse.
Al centro della sala una grande scultura in acciaio inox riceve la fibra ottica e ne moltiplica le geometrie luminose sulle pareti della galleria che perde il suo ruolo di semplice contenitore trasformandosi appunto in opera d’arte essa stessa.
Ma l’installazione alla Galleria Delloro assume una valenza sopratutto riepilogativa, in essa sono racchiusi i concetti e i traguardi dell’ultimo anno di ricerca, anno che soprattutto sotto il punto di vista espositivo per Bernardini è stato veramente impegnativo.
Innanzi tutto la grande personale a Milano da Grossetti Arte Contemporanea, dove l’ artista ha sviluppato il concetto di attraversamento degli spazi bucando letteralmente le mura della galleria, l’esposizione a Villa del Grumello a Como in occasione di Open Mind(s) e l’invito da parte di Bruno Corà al Museo d’arte contemporanea di Lugano con un opera omaggio a Duchamp.
Sempre del 2009 è stata la grande installazione a New York in occasione del D.U.M.B.O. Art Festival che quest’anno ha visto un affluenza di più di 5.000 visitatori, dove l’artista ha presentato una aggiornata versione dello “Spazio permeabile” esposto nel 2003 alla Quadriennale, servendosi oltre che della fibra ottica anche della superficie elettroluminescente, un vero e proprio tessuto luminoso posto in dialogo con le geometrie lineari delle fibre ottiche.
Dopo i grandi interventi ambientali a Valencia (al Giardin Mediterraneo di Santiago Calatrava nel 2007) e a Bologna (a Piazza S.Stefano, la Piazza delle Sette Chiese in occasione di Art First 2009) non viene smentita la propensione di Carlo Bernardini a misurarsi con architetture di grandi dimensioni: a metà novembre infatti è stato presentato l’ambizioso progetto di Palazzo Litta, dove le fibre ottiche partendo dalla facciata del palazzo seicentesco si insinuano sino alle sue sale interne attraversando pavimenti e pareti, inglobando e ridisegnando gli spazi architettonici.
Da non dimenticare infine la partecipazione al progetto Twister dei musei lombardi, che ha portato all’acquisizione da parte del MAM di Gazoldo degli Ippoliti di una sculto-installazione di 6 metri in acciaio e fibre ottiche ora in mostra permanente nei giardini del museo.
A coronare questo denso anno espositivo a gennaio 2010 verrà presentato in occasione dell’Arte Fiera di Bologna un volume monografico che ripercorre 20 anni di attività, comprensivo dei testi teorici di Bernardini e i principali testi critici sul lavoro dell’artista.

CARLO BERNARDINI / LA LUCE CHE GENERA LO SPAZIO / MILANO 2009

2009-11-16T01:35:00.001-08:00

GROSSETTI ARTE CONTEMPORANEA

il Direttore per i Beni Culturali e Paesaggistici della Lombardia Mario TurettaL’Assessore all’Arredo, Decoro Urbano e Verde del Comune di Milano, Maurizio Cadeol’Assessore alla Cultura del Comune di Milano, Massimiliano Finazzer Floryl’Assessore alla Cultura del Comune di Torino, Fiorenzo Alfieriinvitano all’inaugurazione di Luci d’artista a Palazzo Litta Carlo Bernardini LA LUCE CHE GENERA LO SPAZIO Palazzo Litta, Corso Magenta 24, Milano, 18 novembre 2009, ore 19,00Dal 18 novembre 2009 al 25 gennaio 2010, ore 17 – 22
Palazzo Litta sede della Direzione dei Beni Culturali della Lombardia, in collaborazione con l'assessorato all’Arredo, Decoro Urbano e Verde del Comune di Milano, l'assessorato alla Cultura del Comune di Milano e l'assessorato alla Cultura del Comune di Torino, all'interno della programmazione rispettivamente di LED, Light Exhibition Design a Milano e Luci d'Artista a Torino, apre alla città il suo cortile d'onore con il progetto di luce ambientale di Carlo Bernardini, La luce che genera lo spazio.Una grande installazione in fibra ottica espressamente pensata per l'occasione trasforma la percezione degli spazi aulici del palazzo, offrendo l'occasione per riscoprire e visitare uno degli edifici storici più significativi e amati della città.“Attraverso l'arte contemporanea possiamo ancor meglio conoscere e apprezzare il patrimonio storico di cui Milano è ricca. - afferma il Direttore Regionale Mario Turetta - Nella collaborazione con Torino si moltiplicano gli effetti delle proposte d'arte in un sodalizio già collaudato con la musica.”L’opera site-specific di Bernardini prosegue nello sviluppo di un linguaggio sperimentato in prestigiosi spazi pubblici in Italia e all'estero. La luce attraversa lo spazio aereo del cortile d’onore, penetrando internamente all’edificio e legando insieme i volumi dell’area esterna con le sale interne, il tutto nelle linee di un dinamico disegno. Come scrive l’artista: “L’installazione si appropria dello spazio e lo fagocita nel suo interno eludendone la fisicità. E’ un rapporto di dominio quello che la forma spaziale instaura con il luogo, lo penetra, lo feconda, lo riduce in suo potere sino a trasformarlo in essa stessa. E’ un gioco dei ruoli quello in cui lo spazio si trasforma da contenitore in opera: il disegno di luce lo attraversa penetrandovi, ed una volta all’interno ne oltrepassa le mura senza soluzione di continuità. La linea in fibra ottica passa di stanza in stanza perforando le pareti e sforando attraverso i pavimenti, coniugando l’ambiente esterno con l’interno in un unico disegno: “Lo spazio permeabile”, il luogo in cui La luce genera lo spazio”.Carlo Bernardini é nato a Viterbo nel 1966. A partire dal 1996 opera stabilmente a livello internazionale con grandi installazioni innovative in fibra ottica, approdando ad una trasformazione percettiva dello spazio, tesa a ridefinire i volumi del luogo attraverso l’inusuale impatto di misteriosi tracciati luminosi.Questa grande installazione é un ulteriore sviluppo sperimentale del linguaggio che si riscontra sia nel 2008 nelle Interrelazioni nello Spazio al Castello di Rivara, in cui Bernardini nell’interno di un’unica installazione in fibra ottica ha inglobato tre stanze ed un corridoio passando attraverso i muri da parte a parte, sia nel 2009 a Milano da Grossetti Arte Contemporanea, dove la fibra ottica attraversa e oltrepassa le pareti della galleria. Vive e lavora a Milano. Si e` diplomato nel 1987 all’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 1997 ha pubblicato il saggio teorico sulla Divisione dell’unità visiva edito da Stampa Alternativa. E’ stato invitato a due Quadriennali di Roma e a una Triennale di Milano. Ha vinto per due volte nel 2000 e nel 2005 il premio Overseas Grantee della Pollock Krasner Foundation di New York, e nel 2002 il premio Targetti Art Light Collection White Sculpture. E’ insegnante di Installazioni Multimediali all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Dal 1996 opera con la fibra ottica con cui ha realizzato grandi installazioni ambientali esterne in fibre ottiche, e sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane, tra cui a Reggio Emilia ai Chiostri di S.Domenico in occasione della mostra 2000 Anni Luce, a Padova nel 2000 al Palazzo della Ragione per Accordi di Luce, nel 2002 a Sculpture Space, Utica - New York e a Bangkok alla Nacional Gallery of Contemporary Art, l’anno seguente le grandi sculture presentate a Roma in Piazza del Campidoglio per il Semestre di presidenza italiana nell’Unione Europea, nel 2004 il grande intervento al Museo Paço Imperial di Rio De Janeiro; è del 2007 l’installazione allo Swing Space della Lower Manhattan Cultural Council di New York e del 2008 Light Waves, opera permanente presso l’Aeroporto di Brindisi. Recentemente ha esposto con installazioni ambientali al Dumbo di New York, alla Ciudad De Las Artes Y Las Ciencias di Valencia, a Bologna in Piazza S.Stefano per Art First - Arte Fiera di Bologna, e al progetto Twister della rete regionale dei Musei della Lombardia. Grossetti Arte ContemporaneaVia di Porta Tenaglia 1/3 - 20121 MilanoTel (+39) 02 29 06 21 28 Fax (+39) 02 29 01 47 67galleria@grossettiart.it http://www.grossettiart.it/

CONSIDERATIONS ON CONTEMPORARY ART by Pietro Franesi

2009-11-10T07:05:00.000-08:00

I have often been asked the reason why I titled New York Biennale of Art “All that is solid melts into the air”, and still more what immaterialism stands for. The first answer comes from the pleasure in provoking, in a paradox à la Niels Bohr. To sponsor immaterialism, I chose Karl Marx — father of immaterialism — with one of his less known and less renowned, yet most intriguing, quotations. I do not mean of course to canonize him, nor suggest re-reading him with any Barkley’s approach, but I think he could help us adopt a new secular, non-metaphysic view on immaterialism, which grounds and fills our life. The second answer is the attempt to go beyond an obsolete view of art history, by going beyond mechanic ways of thinking that belong to the age-old industrial society, in order to single out and share the cognitive strategies needed to avoid concept conditioning and aesthetic constraints, which are historically rooted in science and art. All this with the aim to attain a new course within cultural and social history, which basically matches the development of the rising economics of knowledge. Nowadays numerous critics and fine art scholars do not question themselves seriously. They simply record events, afraid of being trivial or in doubt as to whether it is possible even to speak about art after Impressionism.
Rosenberg wrote: “Avant-garde audience is open to anything. Its keen members rush to organize exhibitions and to supply illustrative labels ages before colors have dried on canvases, or plastic caked. Critics help in this by nosing into essays like bloodhounds, ready to discover the art of the future and to take initiative, as well as build reputations. Art critics are always on the alert, camera and scrap-book in their hands, to be all-sure they won't miss to note down any detail. The tradition of the new has cut down all traditions and ordinariness”.
Theoretically speaking, art history has so far engaged with the classical dynamics of a man mastering and measuring things scattered through a universal space, which otherwise would be incomprehensible and unfathomable.
The world is a huge, insane mass of molecules standing in the space, according to partly-known laws; molecules turn into objects, objects feature shapes and colors, then grow old, die down and regenerate in a cycle complying with utterly autonomous principles.
Nature is order.
We inherited Plato's teaching: a divine being has drawn the universe out of disorder and brought it to order, and has founded the realm of shapes and geometrical proportions. The world is mathematically ordered: science people commit to discover its ruling laws, artists to represent it. And even when he brooded upon microscopic levels, he considered them as miniature copies of macroscopic clones.
As we know, however, according to the current interpretations of scientific discoveries, it is quantum mechanics laws that really matter.
Yet I start by saying that I hate “-isms” and art history framed in movements. I suggest a research trend, a convergence panorama, a critical and creative approach to break up any interpretation frame.
We are currently undergoing a crisis age, which is moving from a social, economic and cultural system centered upon materialistic values, upon a binary system of ultimatums towards a completely different one. Awareness or fear of such a statement grows and grows every passing day.
Art, along with science, philosophy, economics and politics pursue a crucial mission: to promote the establishment of a knowledge society featuring new cultural, ethic and social values, by breaking up the current ones, subject as they are to a material view of man and his life. If we analyze the real processes ongoing, we will find out that the future is part of our everyday life, even if we are still unaware of that.
We are driving a brain-controlled spaceship, and keep looking for control-stick, brake and accelerator!
Let us meditate upon different fields.

SCIENCE

Quantum physics discoveries in science have revolutionized our way of thinking.
At the moment of its creation, all matter includes a double nature: both particle and wave, it depends on the way you decide to measure it. Matter's double nature results from the interactions with matter itself, rather than a sort of intrinsic property of a reality endowed with an objective, autonomous existence.
“Within physical reality, virtual states are part of the realm of potentials, for they include the future empiric possibilities of universe”.
To solve several thermodynamic problems, Max Planck presumed that energy exchanges only take place in small discontinuous particles, quanta — energy clusters which can be divided no further. It is an innovation not to be underrated: since then all physical processes had been considered continuous and gradual. Planck found out that Leibniz was wrong — “natura facit saltus”. A consequence of leaving quanta to continuity is that atom cannot be conceived as a solar system writ-small. Even the distinction between matter and energy, on a sub-atomic level, fails.
Another key aspect is the impossibility, on a microscopic level, to divide the observing subject from the observed object; the subject is integral part of the observed system — every observing act affects the whole in an unpredictable way. The innovation of quantum physics does not lie in the awareness of such an influence, but rather in the impossibility of controlling it: it is not possible to determine how important perturbations coming from observation are. The uncertainty principle, discovered by Heisenberg in 1927, states that it is theoretically impossible to measure accurately both position and momentum (velocity) of a particle: observation of one quantity will necessarily affect the value of the other. Complementariness is the conceptual tool to simultaneously define both matter's descriptions — particle and wave — as “real”; yet they cancel each other out because of their contexts' independence. But quantum mechanics reveals something much more unusual about “reality”. The observer cannot look at the quantum particle without exerting an influence upon it — the measuring process moves the virtual to the physical. When all possibilities of quantum mechanics (wave function) break off, one of the possible results turns real. Once detected, new information get forwarded into the world.
This is a question of ontological, rather than epistemological, character. There is a virtual dimension, not visible to reality, which exerts a direct influence on the material, “visible” dimension, in a way that cannot be thoroughly quantified.
So far we have monitored and subdued the visible side, the matter particle, believing that we were representing nature as a whole. Instead, we have studied and represented just a part of it. Some great art masters did imagine the virtual dimension (the wave), but they could not rely on structured knowledge to go beyond a prophetic sight. Nowadays we know that that invisible part exists, and that nature is a complex subject comprising particles and waves.
Casualness and determinism are in question, that is to say two principles which 19th Century physics more or less explicitly focused upon — and along with it, philosophy, science, politics and mainly art.
A new idea of nature in art thoroughly upsets history too, because of the role that art historically played in representing it.
What is being shown nowadays is that conscience would be a key physical property, that brain could “point out” and “process”. Brainwaves would be a rare epi-phenomenon of quantum effect, which appears directly in common reality, and not at atomic level.
Semir Zeki, one of the most renowned neuroscientists in the world, pioneer and founder of the discipline called “neuroaesthetics”, which explores the relation between brain functioning and artistic representation, proves that, since aesthetics assumes an accurate and complex knowledge of sight, and since such a knowledge cannot be achieved without a neuroscientific discourse, an aesthetics entailing this alleged validity duration should be biologically grounded. The question of fastening reflection on the object to the direct and inner knowledge of the object itself — which has always involved philosophy in its relationship with the fields and knowledge that it has focused onto, dealing also with aesthetics and art criticism — has been thrown on the table again and again by Zeki from a biologic viewpoint: to be able to define what passes through sight, that is work of art’s enjoyment, one has to refer to an array of technical knowledge which justify that phenomenon and those mechanisms going under the collective name of “sight”. Sight is an active and well-constructed process. As numerous examples on healthy and brain-injured subjects testify, the act of seeing is markedly constructive and as such, it can be dissembled in a number of steps, which still have to be entirely defined (among which, for instance, the acknowledgement of color, shape and chromatic relations between two different yet close areas), steps whose accomplishment relies on anatomic frames which can be mutually identified and recognized.
Zeki points out a curious interrelationship between the gnosiological meaning of certain art forms, and the cognitive function of every single steps sight includes: as if artists would select — from time to time and without being conscious — one of the sight’s neuronal mechanisms to exploit it, isolate it, boost it and enhance it massively and artistically. For example Monet seemed aware of the mechanisms ruling color coherence, that is to say the chromatic identity an object shows in different lightning conditions. In other words, an object’s color always looks the same, even if it should not, given the mutually different lights it experiences. With the renowned series dedicated to Rouen’s Cathedral, Monet would have tried, even unconsciously, to anticipate (or take away with another cognitive operation) the chromatic homogenization, by giving the cathedral’s “true” color over different moments of the day and different weather conditions. Calder, Mondrian and many others would have never appeared less epistemologically aware of aspects such as sight of movement and shape. In this sense, according to Zeki, the artist is an unconscious neurologist and a neuroscientist ahead of his own time.
It is art itself, Zeki adds — describing a demanding and accurate aesthetics of his own — that can be defined following the example of sight and its biologic function. Sight is basically a process of selection and singling out of constants aimed at knowledge — art is the same. It is in this sense that two aesthetics, so different the one from the other like Platonic and Hegelian ones — strict censor of the double and pauperizing artistic mimesis the former, celebrator of its absolute power the latter — can be reconciled; for art is — as Plato would have wished and in spite his own beliefs — the quest towards essentialness, and for this very reason, representative particularization of the universal. The brain builds up an idea of object or situation, which comes from its experiences of many objects and situations, experiences it collects into a synthesis of object and “ideal” situation. Yet everyday experience of single objects or situations may not satisfy the more global synthetic idea, bringing about as a result brain’s everlasting dissatisfaction.
The creative challenge may profit — and has profited — from such dissatisfaction. A way to come close to the idea existing in the brain, is to leave the artwork unfinished, just like Michelangelo did, who did not finish three-fifth of his works. In this case, the observer can finish it in different ways, and that’s the very benefit. Once Schopenhauer wrote that you have to leave your mind with something it can do, better if it is the last thing — for this reason we admire Michelangelo’s unfinished sculptures or many paintings by Cézanne.
Note that we are conscious of a single interpretation a time, and this brings about a key ambiguity factor, which is a precious feature in works of art and creativity. In its neurologic definition, ambiguity is not the indeterminacy or uncertainty we find in dictionaries — just the opposite. It is certainty of numerous interpretations mutually diverging the one from the other, each of which dominates for a moment.
As such a defined answer does not exist, for all answers are plausible alike. For the ambiguous and the unfinished can satisfy the brain more than some thorough completeness. Imaging studies reveal that when we watch ambiguous shapes, brain activity’s focus moves from an area under frontal lobe’s control.
Only recently art has been systematically investigated through the conceptual tools supplied by evolution theory. As cultural expression subject to great unsteadiness, even on an individual level, aesthetic perception, along with artistic creation, has been considered a phenomenon, which is hard to refer to brain biology, and in its rising, to Homo Sapiens Sapiens’ phylogeny. Contemporary approaches to art which seem to refer more directly to neo-Darwinian synthesis are two — evolutionary psychology and neuroaesthetics. Evolutionary psychology aims at justifying a great number of human phenomena, by basing on the general evolutionary theory. Especially two scholars, Leda Cosmides and John Tooby, pioneers of the discipline, aim at building up a psychological basis of culture. Their main premise lays in the fact that human nature is universal, and that nonetheless such universality finds its expression first and foremost in psychological mechanisms resulting form evolution, and not from cultural expressed behaviors. So cultural changeability does not contradict universality, it is rather a collection of data allowing to better understand the structure of underlying psychological mechanisms. The second assumption rests on the fact that psychological mechanisms resulting from evolution are adaptations, shaped by natural selection on the long run. “Aesthetic” perception is not a negligible sub-product of selection, but rather a precise adaptation answer, yet originated in the environment where our hunter-picker forefathers got evolved over two millions years.
Instead, as we have seen in Zeki, neuro-aesthetics moves from new knowledge onto brain functioning, from general architecture to physiology of perception, to explain aesthetic experience in terms of neurobiology, and not of commonsense psychology or philosophy (as traditional aesthetics does). Studies about sight are paradigmatic, starting from David Hubel’s and Torsten Wiesel’s singling out of cells which respond to differently oriented lines.
Starting from such results, other neurophysiologists, particularly Semir Zeki and V.S. Ramachandran are trying to single out brain areas “ascribed” to art. And then, from there, hark back to their evolutionary history.
There are, eventually, approaches which do not exclude phenomenology, and the first-person approach, by matching it with neurosciences and evolutionism. Special attention shall go to the neo-jamesian recovery of the distinction of fringes and nucleus in the mental conceptualization, aimed at suggesting a peculiar reading of art’s genesis and function.
“Art, just like every human activity — morality, law and religion included — depends on brain’s laws and complies to them”. (S. Zeki, “Journal of Consciousness Studies”, 2002).
According to him, to understand what art is, what makes it so important and what makes an artist better than another one, you cannot but refer to the part of the brain where art gets created and appreciated. Even if neural bases of the subject’s artistic creativity and appreciation of artworks are not fully known, the massive improvements achieved in the knowledge of brain areas ascribed to sight, have allowed to start formulating some neural laws, which ground art and aesthetics.
Zeki suggests that we see with our brain, not with our eyes: eyes are nothing but filters through which visual signals pass and get addressed to brain visual areas.
Therefore sight is a process of selection and of finding out crucial information aimed at knowledge. Through his visual frame, the artist gets to know reality and makes his own ideas (for instance an idea of love, of a natural landscape, of a straight line), that he then represent in his works. Also he who benefits from the work of art similarly relies on a visual system to sketch his own idea of beauty according to which he will appreciate the artwork or not. Through neuroaesthetics, Zeki has opened the way to a totally unexplored research field, where art gets investigated on the basis of the study of neurobiological mechanisms, which affect brain functioning; moreover, by stressing that art results from brain and complies with its laws, neuroaesthetics has the line between art and science grown thinner and thinner. The visual perception shall not be held as a mere recognition of the objects forming the physical world. This is immediately all-clear by watching images where our visual system perceives objects which are not physically there. Among the most renowned examples, Kanitza’s triangle, in which we see a white triangle covering three circles, and the triangle, which we likewise perceive as protruding from the sheet, is not physically there, just perceptively. The phenomenal world we perceive does not clearly consist of physical objects that surround us, it rather results from a number of considerations, performed by the retina and cortex’s visual areas. Studying the way information spread all over our visual cortex gets organized to shape objects’ representation is therefore prerequisite. Over the trajectory from the physical object to the observer, light radiations are completely independent among each other. On its turn the retina consists of a patchwork of histologically separate elements. Over this process, the original object’s unity gets completely lost, but in the end, the object appears again, on a perceptive level, as a unitary presence. How is this re-construction possible? This process is known as perceptual grouping, and has been widely investigated by no less than two different standpoints: on the one hand it has been a research topic of Gestalt experimental psychology, as an attempt at singling out phenomenal laws of perceptual organization; on the other, neuro-physiological studies have focused on the recovery of the biological functions underlying the grouping process.
Music is another fascinating example of the use of brain conceptions, or rather, of one brain conception disappointed by everyday experience. Wagner wrote Tristan and Isolde with a single aim, that he confessed to Liszt: “Since I have not been able to experience the true happiness of love in my all life, I mean to compose the grandest monument to the grandest illusion”. The illusion is, as we know, a product of the brain. Opera provides quite a few interesting aspects for a neurobiologist, although here I just mean to draw the attention on the unsolved lines — to be solved at the end — and on the long silences, which brought a critic to wonder: “whoever composed more beautiful silences than Wagner?”. From a neurobiologic perspective, they are two features allowing listener’s imagination and creativity to be involved in the opera.

ART HISTORY

In Art History, contemporary art rediscovers, just like in Leonardo da Vinci’s times, a different “Reality” — the microscopic reality of quanta and of chaos, as afore-explained.
It is recognized that every time and every culture are marked by a different aesthetic view, that is, by a different analogy to beauty, taste and well-being. As a matter of fact, “aesthetics” comes from Greek aisthetikos, “sensitive”, and from aisthanesthai, “perceive”. It therefore defines that “forma mentis” corresponding to the chance to highlight an historically selective faculty which, by mingling mind and emotion, credits visual and perceptual impressions originated from any event that can be set in the referring frame of space and time. So the conceptions of time and space are so crucial in the culture of any era, that any change they experience thoroughly modifies the grounding criteria upon which our world’s view rests.
As a consequence, culture acquired in any era and from any cultural ethnicity, becomes all-important in defining the main lines of the “aesthetics”, which regularly characterize both assessment criteria of scientific rationality and assessment criteria of beauty in art.
So conceptions regarding time and space are fundamental to outline the imaginary background in which any element of aesthetic appreciation is assessed rationally and emotionally.
We actually note that in the historic era which marked the rural civilization, the passing of time was considered “cyclic”, in relation to the need of contemplating a time for sowing and a time for harvest. In that historic time art was not intended as creative autonomous reality, but rather as a display of abilities grounded on the imitation and contemplation of nature as divine creation associated to an allegoric cyclicity of the repetitive passing of life and death. Middle Age key expressive frames actually symbolize life’s transience in becoming over the seasons in juxtaposition to death’s and afterlife’s eternity. In the early Renaissance, conceptuality with regards to time and space happened to change along with the developments of mechanic conceptions, which led to craftsmanship. The need to accurately measure machines’ gears brought to the need of defining in detail objects’ location in the space. So after the coming-up of time-and-space mechanic idea, Piero della Francesca (1415-1492) had already expressed an accurate definition of perspective in painting aesthetics in his book titled “De Prospectiva Pingendi”. Leonardo da Vinci improved the foundations of “descriptive geometry”, as investigation of objective representation in tridimensional space, which are the basis of Renaissance painting technique. As such “geometric perspective” outlines the passing-by from a cyclic idea of time to a new linear dimension of it, which will be a benchmark of Mechanic Science over the whole development of Industrial Age. Then Classic Physics came to an idea of Time as definitely apart from Space, where time dimension had been basically held as subjective, and thus conventionally measurable by a clock, in the light of an outer space definable in its objective dimension. So Descartes’ structure of space and time, both considered as independent factors, grounded on a clear-cut and arbitrary distinction between subject and object, by going beyond the conception supported by Renaissance, which put man at the center of the capacity of cognitive integration. So stabilization of mechanic conceptuality gave rise to the separation of two cultures, scientific and artistic-humanist, which ruled over the Industrial Age.
Along the industrial development especially, “photography” could mechanically exploit what had come out from the expression of projection optics, by basing the photographic process on a conception implying rays of light coming from any light source, which gather, through a lens, on a photographic plate. In this way the photo-pressing has been invented according to the approximation arisen from the early perspective sight of lightning reality. At the beginning of the past century the printed image had already improved by the fixing techniques featured by movie films, and this has obviously contributed to a deep change in the painting style of Cubism, which Pablo Picasso started in 1907 with the famous painting “Les Demoiselles d’Avignon” (New York, Museum of Modern Art) — a crucial artwork for the future change in the representation of Time-and-Space in modern art. This painting is seen as the beginning of the deep change affecting figurative art, in that it suggests a sharp getting-over based on the geometric aesthetics of perspective; in the afore-said painting, it is clear how space and time are disassembled into two-dimensional volumes, apart yet “simultaneously” perceived from the different standpoints pertaining to the different observers. “Information simultaneity” is actually conceptual core which run through science over the entire 19th Century, by breaking up its different approaches into irreconcilable sections as Relativistic Mechanics (RM) and Quantum Mechanics (QM) in Physics. For Relativistic Mechanics suggested by Albert Einstein as special relativity (1905), only the fact that the speed of light has an absolute and constant value is accepted; so time and space become relative and mutually changeable, because they happen to depend on the Observers’ viewpoints. Therefore at the same time as “Cubism”, also relativity in science questions going beyond traditional conception of classic physics. In this way it passes from the traditional conception of time and space as two mutually independent, absolute entities, to a continuous “quadri-vector chronotope” dynamic system, in which space and time can change geometries and mutual dimensions. So Euclidean space bends and time contracts. Such an RM position leads to various paradoxes, the most renowned of which being the so-called “twins paradox”, which probably persuaded Salvador Dalì to represent time’s relativistic flexibility in the panting “Melting Clocks”.
Einstein’s generalization of sight’s relativity principle prevents simultaneous events to occur, since every possible event is “localizable” in a univocal structuring of the “quadri-vector” as definable from three dimensions of Space and one dimension of Time.
Instead of focusing onto the Macroscopic world as RM does, Quantum Mechanics ends up solving the experimental fact that light particles (photons), like sound particles (phonons) and also electrons, etc., appear to behave simultaneously both as Waves and as Particles. The issue of behavior “simultaneity” sharply clashes with the localization chance of measures. Just like Zeno of Elea’s (c.a. 490 b.C.) arrow paradox, if we want to measure speed and position simultaneously, we have first to stop the arrow to tell exactly its position, and then look at its speed without changing its trajectory.
Hence in the case too of dualism between localizable particle and de-localized wave, the conjugated quantities, though being simultaneously there, bring about indeterminacy of measurement, as stated by Werner Heisemberg (1927) with the QM principle. As a fact, keeping the space-and-time structure unaltered was considered necessary: the only way to knowledge in the microcosm was the “probabilistic” one.
The resulting fracture from reason and physic reality, with the “Indeterminacy Principle” actually tackles the issue of scientific realism status — apparently sensible — in which outer reality is considered objective, no matter the thinking subject; such an approach actually brought to paradoxical conclusions. Seen that QM reality can be effectively known only beyond indeterminacy, that is to say only when localization in space becomes measurable, Ervin Schrodinger articulated a further reflection known as “Schrodinger’s Cat” paradox.
The poor cat, caged in a box, if “unobserved” may seem “dead or alive at the same time”. So in QM’s probabilistic interpretation, when nobody watches it, the cat exists in a “superposition state” where it has 50% probability of being both dead and alive. So in QM, the cat may simultaneously exist or not exist in a “complementary sight”, held true by QM. Only if it gets observed, the box opened, it is possible to know whether it is effectively alive or dead.
“A paradox is an apparently realistic reasoning, that starts from sensible premises and comes to a conclusion, which clashes with the premises”.
When it happens, we have to go through the grounding criteria which we held as unalterable, and adopt a new idea of reality. So nowadays we have to accept to change the cognitive paradigm, which dogmatically makes the time-and-space structure unaltered. The various paradoxes discussed in the context of science and 20th Century artistic representations have indicated the need for art and science to reconcile within a renewed unitary paradigmatic criteria, just like it happened in the Renaissance, when a sharp correspondence between art and science in the unification of cognitive and aesthetic foundations was detected, for man was considered at the centre of the cognitive process.
Thus contemporary art and science shall go beyond mechanic reductionism basically suggested from the possibility to objectively watch the outer world without realizing of being part of it. The renewed expressions of our age’s aesthetic feeling have led to a distinct “interdisciplinary” reconciliation and to a wide opposition between art and science. Technological evolution of Information Communication Technology (ICT) has allowed to re-organize relations between art and science within the simulations of the scientific imagery through the expression of state-of-the-art “Digit-Art” activities. With the computer’s help, artists benefit from a wide range of software, which have helped the coming-up of new techniques capable of fostering artist’s creativity, who becomes himself, through Generative-Art, inventor of algorithms and software — definitely all-important to perform scientific simulations — that allowed computerized visualization of nanotechnologies.
In this way deepness of visual perception, negotiated by the development of high-resolution optic technologies, has recently allowed to manufacture nanostructures which, thanks to new image techniques become the new manufacturing reality, and open a new sensitivity and contemplation on reductionism, separating objective reality from the ideas, with which the new nano-reality gets viewed and manipulated within the film of hidden space-and-time.

ECONOMICS

In modern economics, materialist culture generating property as synonym of market (from physical space to goods’ sale process) prevailed, but nowadays markets make way to nets, and property is replaced by access; exchange on buyers’ and sellers’ property stock market is the hub of economic life no more.
Private property does not disappear, but is exchanged, the supplier keeps the good’s property, yet he leaves it in temporary usufruct to the client/server, on payment of a rate, rental or enrolment fee or information desirable to the market.
Nowadays Google and Facebook are current market’s valuable pieces and respond to that very philosophy. Nanosecond is access culture as capital is in property culture. But trends show that property of physical goods tends to be considered expense rather than wealth.
Nowadays intellectual capital is the overruling power — just think about the transaction between Obama and FIAT. FIAT’s intellectual capital has been the Italian group’s success factor, and has been considered more important than Crysler’s wealth.
The long-run trend of the long-run’s system will be the replacement of industrially-manufactured goods and services with the cultural experiences exchange (travels and global tourism, theme-parks and theme-towns, fun- and wellness-specialized centers, fashion and restaurants, professional sport, music, cinema television, art, virtual world, cyber-space and electronic entertainment). Devastating side-effects for the future civilization take on shape: the economic field has always been drawn from the cultural one, which on its turn has always determined shared behavior rules.
But now?
Restoring a balance between culture power and economics power will be the century’s crucial dilemma. For instance, how to protect and foster cultural differences. 21th century men shall see themselves as integral knots of an interests’ shared net, and not as autonomous agents of a Darwinian world struggling for survival anymore. Pc shall be as vital as the printing press in knowledge building; from work commodification we will move towards entertainment commodification. Old industry principles will give way to the new values of cultural capitalism, which will push cultural domain into the empire of economics. Culture will be the overruling value. For this reason greater finance has turned to the last, still-independent sector of human activity — culture.
Electronic nets allowing access to an ever-increasing number of experiences are controlled by a limited number of multinational media powers. History records no precedents of such a wider power in human communications. Gatekeepers set terms and conditions according to which billions of people will have the chance to interact in the coming future. The economic and social gap among people grows and grows relentlessly. One-fifth of mankind is migrating to the cyber-space, whereas the others are stuck in the caves of poverty and often starve to death. In internet era more than half population has never used a phone, but if the gap between the haves and the have-nots is wide, the gap between the connected and not-connected will be even wider. Access to the net has apparently become the necessary way to progress and personal satisfaction.
The new scenarios of fights/agreements among major financial groups to control Google, Yahoo, Facebook, Youtube and other social network, prove what afore-said. For many people internet holds the same evocative power the democratic vision used to have in the past. So a powerful conceptual tool to re-shape a view of the world is the new era’s most successful metaphor.

PHILOSOPHY

In the Western philosophy of the past two centuries, ideologies and political — and even religious — movements, despite rare exceptions, have bowed their heads to materialist culture: Enlightenment, Socialism and Liberalism included.
What do we mean by “materialist culture”?
Superiority of economics upon man and nature, of determinism upon indeterminacy, of causality upon complementariness, of order upon chaos, of endlessness of progress upon its limitations, have been icons upon which mankind’s lives got built through the Modern Age. The economic triad, science and communication, has trained us to the alluring and self-destructive procedure of manufacturing and consuming.
As ABO poignantly writes: “Manufacturing from advertising’s trick gives rise to a kind of hunger, an unquenchable longing for objects of consumption. But the situation gets reverted: now it is the object that chases the subject. Manufacturing opens its sadistic hunting season on the individual. In this, there is a roles inversion now, and a new hierarchy of positions, where man finds himself in the middle”.
Andy Warhol has been the greatest theorist as well as practitioner of materialist art. “I believe that all paintings should have same sizes and same colors. In this way they could be interchangeable and nobody would have a painting better than, or worse than, someone else”, claimed our Andy.
The work of art becomes a space marked by technical reproductibility. Society is not a space for freedom but for trade. “Business art is a step above art”, proclaimed Pittsburgh’s Peter Pan. The balance of social indifference has been compass for this, by assuming the macroscopic natural order as insuperable. It did not catch on following Buddhist thinking: “Only after being free from any conventional power, we can be enlightened”. Everything was leveled, standardized, homologated, justified, ordered. Yet recent discoveries have revealed that chaos does exist, that it is the commonest situation in nature, whereas order is relatively rare, and can be upset by the smallest perturbation.
Order looks like a drunk man tiptoeing on a classic dancer’s pointe shoes.
Chaos is an hippopotamus sunk in the mud. The question is learning how to control it, and understand its inner dynamics, to exploit its endless creativity.
Nature itself adopts chaos as integral part of its evolution plan. To solve the problem of adjusting survival life forms in a complex, ever-changing, apparently chaotic environment, every deterministic plan would be doomed to failure.
So nature chooses to fight chaos through chaos, by begetting a host of life-forms through casual mutations.
Materialist plan’s strictness has gone out of kilter, like a flipper.
Who tries to restore it, is wasting our time and chances.
Materialism has run out of propelling boost: the sooner we realize that, the better.

ART

In quantum mechanics, matter’s double nature matches an artwork’s double nature. A photon is simultaneously particle and wave just like a work of art comes out to be both a series of structural relations (a system of neurological, psychological and physical processes) and of special objects (the artwork).
The mystics Kandinskij, Klee and Mondrian, who “wanted to tear apart the veil that sensible appearance dropped, to reach some higher truth”, had sensed the process. It is of course a conceptual, rather than a physical, dualism. How can it be that diametrically opposed models may coexist without suffering any cognitive dissonance?
Niels Bohr — among quantum mechanics’ founders — points out the solution: to accept the paradox.
Let us take the representatives, who are most devoted to digital art research. They exploit web’s double ontology by recurring to the various interactivity levels within a single project. As a consequence, borders between internet virtual world and human bodies’ definite reality mix together. The same borders’ intermingling — ontological dualism itself — is to be found in quantum mechanics, according to which a photon is both a quantum wave and a sub-atomic particle.
To grasp digital media’s materiality of the immaterial, or immateriality of the material, one shall abandon all ultimatums and adopt an opposite logic, typical of complementariness’ conceptual dualism.
A work of art relying on interactive media — just like a quantum system —is both material and immaterial; it is characterized both by stillness (code) and dynamism of code interpretation (functioning program), the same way a photon is both a measurable object (particle) and an array of virtual particles (probabilistic wave function).
Roy Ascott maintains that: “Art has turned away from forms’ behavior to devote to behavior’s forms”.
Of course the passion art feels for forms has not completely disappeared, but it is undeniable that new artistic currents claim new rules to follow. This does not wipe away formalism, in the same way as quantum mechanics does not discredit the Newtonian approach. It depends on the context, which the observer finds himself into. Different contexts call for different criteria. The development of complex phenomena, such as cognitive philosophy, is carried out on the system’s level, rather than on the objects’. You shall focus on ideas.
“Conceptual art definition opens to artistic expressions, which cannot be judged and understood according to definite and known products, but to procedures and processes, just like it happens with other media. In other words, the change that this term introduces, concerns not only art form and subject, but also its very structure”. Rolf Wederer upon conceptual art, at the opening of exhibition “Konzeption/Conception” (1969).
John Cage cleared up the idea: “Conceptual art is an art, whose subject matter is concepts, as sound is subject matter of music”.
Nowadays we understand that time-and-space codification of rhythms and vocal harmonies depend on a self-organized modulation system of information signals coded by brain activity in order to generate audible sound perceptions.
Phones — the smallest units of a phoneme — are linked to a phonon’s multiple entanglement process, that is to say energy quanta correlating waves associated to quantum particles, generating as such a unit, which takes on the properties of information simultaneous exchange through the entire environment where voice stems from, which can be also synchronically organized as song.
Every road leads to quantum.
The idea of complementariness, introduced by quantum mechanics, represents a model for comprehending the conceptual dualism of both realities, the physical and the virtual.
To understand the implications in art, let us think at the observer’s new role, and at what Gadamer and Levi Strauss analyzed.
The idea of aesthetic event postulated by H.G. Gadamer states that a work of art does not exist thanks to its gross materialness, but rather to the immaterial processes of information and interpretation it brings into action.
We get here to the principle of indifference, which appeared in art history together with Modern Age. It is actually Modern Age, that brings about lack of involvement towards natural events in the making of an artwork. Manet’s young prostitute Olimpia is Impressionism’s manifesto. This very canvas actually highlights the lack of involvement with reality: Manet could have depicted his model as a crooked, sick and vicious being. He did just the opposite: he did not partake emotionally in what he was painting, and he portrayed her just as painters could have portrayed a countess’ nude till the century before. So this painting brought forth that process of non-involvement which would later become one of the main features of modern and contemporary art.
Impressionism used to take a “piece of reality” away from the work of art, and spotlighted the way to make every artist’s artwork distinctive. It was the beginning of Modern Age.
But where is the agent which brought about the non-involvement process expressed in the principle of indifference?
It is in the artist’s personal view, not only upon art, but also upon life and world. In this way the artist becomes observer once again, by taking agency delegations away from museums, art galleries, dealers and art critics.
A quantum view of art re-evaluates the very conception of doubling. With his Bottle-rack, Duchamps asked himself a question nobody will ever answer: “What is a work of art?”.
“If I take a bottle-rack from a wine seller, if I sign it and place it into an art gallery, would it become a work of art?”. Yes, it would, because the given bottle-rack would undergo what Surrealists called “estrangement”, that is, the transliteration of the real: that object would not be meant to drain bottles anymore, and would become a unity of forms.
Anthropologist Lévi-Strauss held a lecture about Duchamps’ bottle-rack, and stated that it was no more what it had been assembled for, but it was rather a ghost, something suggesting and inferring to something else, and that for this reason it stirred up emotion. Such an emotion proves that an object’s estrangement may generate a work of art.
Yet the idea of estrangement has nothing to do with the materiality of an artwork. Only by adopting the principle of complementariness, estrangement can be understood and proven.
If these thoughts make sense, then modern and contemporary art history’s milestones have to be questioned. For the time being, we list them, and later on we will go through them in detail: more than enough is too much, value of a work of art, from market to access, from nature/particle to nature/wave, from object to process, from reproductibility to uniqueness.

More than enough is too much
Nowadays art’s belly is full, stuffed, constipated.
Millions artists, thousands galleries, thousands dealers, thousands curators, journalists, magazines, trade-shows, museums.
A tangle mass of hungry mouths ready to devour each other for a piece of belly, yet always doomed to reach the rectum.
It will take time, but we know what such tangle mass will become.
Two dates will give an idea of this mega-trend.

September 16, 2008

Damien Hirst sells straight on the market for USD 200 millions.
Bye bye Gagosian, White Cube and Art basel.

April 25, 2009

Victor Pinchuk opens his personal Museum in Kiev, hosting 200 works by Damien Hirst. The collector, by breaking up habits and hierarchies, wants to be considered the new Prince.
The main actor is the collector, which relies, from time to time, to artists. Danger and opportunity, it always depends from the new Middle Ages’ points of view. Everything lying in-between collector and artist — from galleries to trade-shows — does not count anymore, and therefore is doomed to get changed or disappear, since both the producer (artist) and the final consumer (collector) take it as outdated.
There will be a massive selection, which will be managed by money.
Contemporary art quotations will keep exceed ancient and modern art ones.
Unimaginable prices will be reached.
Money will be the greater sieve to select artists.
Of course this does not mean that the best artists will be credited. The other way round. At this stage artists actually wag their tails around, more concerned of going to the cashier’s than down in history.
But billionaire too will get tired of throwing their money into the loo.
And then they will understand that there is another way of being owners, apart from money: allowing access to high-quality artworks to millions, billions clients. The property of an artwork becomes a way to nationalize beauty’s enjoyment. This will make the new aesthetic values clearer and clearer.
Only those artists who shall guarantee quality will be credited. Quality means artists working on the process rather than on the product, and artists that produce less, well and unique pieces. The age of reproductibility (and maybe of artworks’ physicality) is archeology.
After all we have to consider a logistics issue. Where are we going to physically put the works of art which will be made at an exponential rhythm (see the number of aspiring artists, that come out every year from Academies and Universities worldwide)?
Shall we plan artworks’ incinerators (to Marinetti’s and Futurists’ happiness)?
Everything leads us think to a new system.
We will pass from the current Prozac Art — exciting to be convincing — to creative Brunello di Montalcino, from the physical to the connected city. He who does not understand that this wave will upset the art world, will have better change career.
So are we going to go back to elites?
This is the trend. After all nowadays only million-dollar artists are sold. Contemporary art has become a financial product, with its pros and cons. The greatest danger is that it may turn into a speculation bubble.
At the moment there are two categories of collectors: predators and entrepreneurs.
The former catch hold of, and take pleasure in, the conquering/predatory act. The latter take pleasure in the aesthetic quality of the artwork they invest into.
I focus on the former’s re-education, and above all to the entrepreneurs — I leave to auction houses those who take Cattelan’s work for a depressed cats’ playground.
Moving from the object to the process shall allow to overcome the historic gap between visual art and performing art, by realizing that the latter will draw the former. Artistic objects will be traded no more; unique and unrepeatable events will take place; physical exchange will give way to virtual access; the local event will give way to the global.
Major sport, music, religious and politic events have opened this way. The technological tool itself will undergo a change, moving from flat image (television) to three-dimensional image (hologram).
The passage from the information era to an era of educated enjoyment or knowledge entertainment, presumes the passage from information to multi-media communication, from spectator to actor, from the idea of mere using to the exciting idea of co-producing.
Hologram will allow to overcome the conception of passive usability, by ascribing the same value to the physical as well as virtual presence.
Think about huge pop gatherings or raves.
The current model is based on enjoyableness of physical presence and of the social behavior concerning frenzy.
In art, it is the model of major exhibitions and grand museum/fair events. Such models are too basic and age-old in the globalization era.
It means thinking about a model of few artistic events, but with a planetary echo, by recurring to new ways of contemporariness, internet and hologram.
Television shall comply with them.
Few un-reproducible yet enjoyable and interactive events with billions people around.
Huge multi-media platforms which will carry around art goods. In this way the danger of a monopolist management of contemporary art market will be avoided.
It will be like in the web market: few monopolists fighting against each other to control the economics of knowledge. Of course the risk of an Orwellian control increases, but the man has always found the way to break free from slaveries old an new.
And nowadays too web monopolists without our access would become other speculation bubbles, because in the economics of knowledge, the value lays in the collective as well as in the individual mind, and without our minds, their cyber-economy would turn into digital trash.
New revolutions will move from the control of material production media to the control of social re-production media, and of production of knowledge.

New york, October 2009

NY BIENNALE ART Interview by Pietro Franesi on ART REPORT

2009-11-05T06:19:00.000-08:00

http://www.art-report.com/de/features/interview-mit-dem-direktor-der-new-york-biennale-pietro-franesi

NY BIENNALE ART by takaishiigallery.com

2009-11-05T06:07:00.000-08:00

http://www.takaishiigallery.com/html/artists_profile/a_DA_Doug_AITKEN.html

NY BIENNALE ART by CUTUREBASE.NET

2009-11-05T06:05:00.000-08:00

http://www.culturebase.net/artist.php?905

WILLEM FRED by LA SEMAINE culture October 2009

2009-11-05T05:49:00.000-08:00

ITALIAN NETWORK 10/29/2009

2009-10-29T16:28:00.000-07:00

CULTURA ITALIANA NEL MONDO - STATI UNITI - A NEW YORK MANIFESTO DELL'IMMATERIALISMO ARTISTICO CONTEMPORANEO A "NY BIENNALE D'ARTE" IDEATA E DIRETTA DALL'ITALIANO PIETRO FRANESI
(2009-09-28)
Si è aperta ieri a New York la Biennale Arte NY (NYBA), aperta fino al 25 Ottobre 2009. Scopo della manifestazione diretta da un italiano Petro Franesi è offrire esperienze un'ampio spettro di esperienze culturali e di raddoppiare lo spazio espositivo dedicato all'arte contemporanea, collegando le diverse realtà culturali: musei, fondazioni, gallerie, con la partecipazione dei migliori curatori internazionali. Un'idea di Pietro Franesi che intende promuovere gli artisti, ormai accreditati presso il pubblico e quelli mergenti, che stanno lavorando sulla linea di confine dell'arte contemporanea in ogni ambito dell'arte visiva. "L'iniziativa - sottolinea Franesi presentando l'idea che sottende alla manifestazione - punta, in particolare, a proporre un nuovo impegno di artisti e più in generale della società contemporanea, nel superare i valori materiali (la supremazia del new economy, della quantità, della globalizzazione) per quelli immateriali (la supremazia della sostenibilità, la qualità, la glocalizzazione). In sostanza, NY BIENNALE D'ARTE vuol essere il Manifesto dell' immaterialismo. La nostra missione non è e non vuole essere commerciale, ma la promozione di artisti che sviluppano la ricerca artistica in questo campo", sostiene il curatore, che stigmatizza come proprio New York, considerata la capitale internazionale dell'arte contemporanea, non disponesse ancora di un evento che segni la sua supremazia nel campo dell'arte contemporanea".Ebbene a colmarla è un italiano, che intende portare a New York, ogni due anni, il meglio della produzione artistica internazionale d'avanguardia e di tutti coloro che tentano di oltrepassare i confini e l'interazione tra le arti, ovvero, in particolare, le nuove generazioni di artisti. Franesi parte dalla concezione dell'opera d'arte in età moderna allorchè si crea un divario rispetto agli eventi naturali. Se si guarda alla giovane "prostituta" Olympia di Manet, dice Francesi, ci si accorge che l'autore, mettendo da parte ogni coinvolgimento emotivo, dipinge nel modo in cui pittori del secolo precedente, avrebbero dipinto un nudo di nobildonna. L'opera d'arte svolge il processo di prendere le distanze dalla realtà, che diventerà una delle caratteristiche dell' arte contemporanea, e che è regolato da quello che possiamo definire il "principio di indifferenza"....(http://www.nybiennaleart.org) ... oggi viviamo in un mondo immateriale: compriamo i simboli, i prodotti, e noi consumiamo entertainement virtuale. Anche storia dell'arte degli ultimi decenni, con lo sviluppo esponenziale del digitale, mette in evidenza il passaggio alla sempre più smaterializzata forma. ...Immaterialità mira ad essere esattamente a questo: una sorta di nuovo codice, che Fibonnacci interpreta la storia dell'arte in un modo nuovo, rivelando le contraddizioni e le diverse interpretazioni, tenendo sulla ricerca, e quindi il dubbio, come guida, e dei valori immateriali come fattori principali la creazione di un ordine antica e contemporanea. ..http://www.nybiennaleart.org .(28/09/2009-ITL/ITNET)

By ITALIAN NETWORK 10/29/2009

ASIAN AMERICAN ARTISTS September 2009

2009-10-29T16:25:00.000-07:00

By ASIAN AMERICAN ARTISTS September 2009

UKBIGADS.COM 08/13/2009

2009-10-29T16:15:00.000-07:00

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Created
2009-08-13
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Title
NY BIENNALE ART IS SELECTING NEW ARTISTS
Description
NY BIENNALE ART 2009/2010 We are selecting new artists. Not participation fee. Please send to curator@nybiennaleart.org 1- the image of the proposed artwork 2- your photo 3- your biography Visit: http://www.nybiennaleart.org/ http://nybiennaleart.blogspot.com/
Price
$ 0.00
Promotion level
Gold, Silver, Bronze

By UKBIGADS.COM 08/13/2009

NEWSCULTURA

2009-10-29T16:12:00.000-07:00

Newscultura
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Concorso per installazione – Biennale
Posted by admin ottobre 1st, 2009
SOGGETTO: ILLEGALE
Descrizione del soggetto:
Cosa è legale e cosa illegale? Cos’è la vita di quelli che vivono fuori dalla legge?
DOCUMENTAZIONE VALIDA PER PARTECIPARE AL CONCORSO
I candidati invieranno la seguente documentazione:
A – Un file in Jpg o similari, contenente l’immagine dell’opera proposta per il concorso (è possibile inviare più immagini da diverse angolazioni, comprese immagini tridimensionali, ma non è un obbligo) ed il titolo del concorso a cui partecipa.
B – Un testo di massimo trenta righe per spiegare il contenuto dell’opera.
C – CV, includendo l’indirizzo postale e l’indirizzo email.
D – Copia del bonifico bancario di versamento della quota di partecipazione di 30 euro.
I CANDIDATI CHE NON SPEDIRANNO LA DOCUMENTAZIONE COMPLETA NON SARANNO ACCETTATI ALLA SELEZIONE E PERDERANNO LA QUOTA DI PARTECIPAZIONE.
MATERIALI E DIMENSIONI DELLE OPERE:
I candidati potranno usare ogni tipo di materiale, nessun limite alla dimensione dell’opera.
REQUISITII candidati devono avere un’età minima i 14 anni.
QUOTA DI PARTECIPAZIONEI candidati verseranno una quota di partecipazione di 30 euro.
SCADENZA : 19 Giugno 2010
PAGAMENTOCHASE BANKC/C: 789413952Intestato a : NY 1 ART GALLERYPagamento dagli USA: CODICE 021000021Pagamento dall’Italia: CODICE : CHASUS33Oggetto: PARTECIPAZIONE AL CONCORSO DI INSTALLAZIONE NYBA 2009
Per ulteriori dettagli scrivete a:contest@nybiennaleart.org
La GIURIA sarà composta dai curatori della BIENNALE.
SELEZIONENYBA pubblicherà, entro il 15 Luglio 2010 , sul web site http://www.nybiennaleart.org/ il vincitore del concorso.
Il vincitore parteciperà GRATUITAMENTE con una Mostra Personale alla NY BIENNALE ART.
NYBA concorderà con il vincitore il numero e le misure delle opere da esporre alla BIENNALE entro il 20 Luglio 2010. I costi di trasporto dalla residenza del vincitore a NY e da NY alla residenza del vincitore saranno a carico della BIENNALE.
E’ responsabilità dell’artista rispettare queste scadenze, non saranno concesse ulteriori estensioni dei tempi.
Tags: biennale, concorsoComments Off , Pings Off.
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By NEWSCULTURA September 2009

ARTMAJEUR

2009-10-29T16:11:00.000-07:00

By ARTMAJEUR 02/05/2009

bY TARGO 06/21/2009

2009-10-29T16:02:00.001-07:00

bY TARGO 06/21/2009

BROOKLYN ART PROJECT SEPTEMBER 2009

2009-10-29T15:45:00.000-07:00

By BROOKLYN ART PROJECT SEPTEMBER 2009

“NY BIENNALE D’ARTE” DIRETTA DA UN ITALIANO

2009-10-29T15:42:00.000-07:00

La manifestazione sull'arte contemporanea a New York fino al 25 ottobre
30 settembre 2009

Ha preso avvio domenica scorsa, a New York, la Biennale Arte NY (NYBA), aperta fino al 25 Ottobre 2009. Scopo della manifestazione, diretta dall'italiano Pietro Franesi, è offrire un'ampio spettro di esperienze culturali e di raddoppiare lo spazio espositivo dedicato all'arte contemporanea, collegando le diverse realtà culturali: musei, fondazioni, gallerie, con la partecipazione dei migliori curatori internazionali. Un'idea di Pietro Franesi, appunto, che intende promuovere gli artisti ormai accreditati presso il pubblico e quelli mergenti, che stanno lavorando sulla linea di confine dell'arte contemporanea in ogni ambito dell'arte visiva.
"L'iniziativa - sottolinea Franesi - punta, in particolare, a proporre un nuovo impegno di artisti e, più in generale, della società contemporanea per superare i valori materiali (la supremazia della new economy, della quantità, della globalizzazione) e quelli immateriali (la supremazia della sostenibilità, la qualità, la glocalizzazione). In sostanza, NY BIENNALE D'ARTE vuol essere il Manifesto dell'immaterialismo".
"La nostra missione non è, e non vuole essere, commerciale, ma la promozione di artisti che sviluppano la ricerca artistica in questo campo", sostiene ancora il curatore, che stigmatizza come "proprio New York, considerata la capitale internazionale dell'arte contemporanea, non disponesse ancora di un evento che segnasse la sua supremazia nel campo dell'arte contemporanea".
A colmare questa mancanza è, dunque, un italiano, che intende portare a New York, ogni due anni, il meglio della produzione artistica internazionale d'avanguardia e di tutti coloro che tentano di oltrepassare i confini e l'interazione tra le arti, ovvero, in particolare, le nuove generazioni di artisti.
Franesi parte dalla concezione dell'opera d'arte in età moderna allorchè si crea un divario rispetto agli eventi naturali. Se si guarda alla giovane "prostituta" Olympia di Manet, dice Franesi, ci si accorge che l'autore, mettendo da parte ogni coinvolgimento emotivo, dipinge nel modo in cui pittori del secolo precedente avrebbero dipinto un nudo di nobildonna. L'opera d'arte svolge il processo di prendere le distanze dalla realtà, che diventerà una delle caratteristiche dell' arte contemporanea, e che è regolato da quello che possiamo definire il "principio di indifferenza"....(http://www.nybiennaleart.org/) ... oggi viviamo in un mondo immateriale: compriamo i simboli, i prodotti, e noi consumiamo entertainement virtuale. Anche la storia dell'arte degli ultimi decenni, con lo sviluppo esponenziale del digitale, mette in evidenza il passaggio alla sempre più smaterializzata forma. ...Immaterialità mira ad essere esattamente questo: una sorta di nuovo codice interpretato in modo nuovo, rivelando le contraddizioni e le diverse interpretazioni, tenendo la ricerca, e quindi il dubbio, come guida, e i valori immateriali come fattori principali della creazione di un ordine antico e contemporaneo. ..http://www.nybiennaleart.org/ .
BY ESTERI CULT September 30, 2009

the marker - תכנים אחרונים

2009-10-29T15:27:00.000-07:00

by The MARKER September 2009

innva videos

2009-10-29T15:21:00.000-07:00

visit

http://www.innwa.com/profile/NYBiennaleArt/

by innva videos

NY Biennale Art Prima biennale d'arte immateriale in luoghi non convenzionali

2009-10-29T15:13:00.000-07:00

Il 27 settembre si inaugura la prima NY BIENNALE ART pensata e diretta da Pietro Franesi, per promuovere una NY che guardi anche alla ricerca oltreche' al mercato.

Quella che oggi e' la capitale internazionale dell'arte contemporanea ha assoluto bisogno di colmare questo ritardo culturale. Con la collaborazione di alcune aziende private, l'evento vede la presenza di artisti internazionali impegnati nella ricerca di nuove espressioni artistiche che intrecciano arte, scienza e tecnologia, promuovendo la consapevolezza delle infinite potenzialità dell'immaterialismo e mostrando la capacità dell'arte di riempire il divario tra realtà e visione ideale.

L'immaterialismo, infatti, mira ad essere una sorta di nuovo codice che interpreta la storia dell'arte prendendo il via dalla ricerca, dal dubbio metodologico e dai valori immateriali, intesi come fattori principali per la creazione di un nuovo ordine che si manifesta antico, ed insieme, contemporaneo.

Le opere saranno esposte in luoghi non convenzionali, con l'obiettivo di portare l'arte laddove la gente vive, grandi centri commerciali, parchi e strade. Dai Parchi di NY, alla Sony Plaza, da Wall Street al Time Warner Center.

contests@nybiennaleart.org
http://www.nybiennaleart.org
http://nybiennaleart.blogspot.com

Per ulteriori informazioni: Monica Cavaliere
Ufficio Stampa Italia
NY Biennale Art
Tel. e Fax. 041. 8946206 cell. 347.4704114
press@nybiennaleart.org

Diverse sedi, New York

by PRESS Release 09/27/2009

NY Biennale Art. New York – Different venues

2009-10-29T15:07:00.000-07:00

NY Biennale Art. New York – Different venues – fino al 25/10/09

NY Biennale Art Prima biennale d'arte immateriale in luoghi non convenzionali Il 27 settembre si inaugura la prima NY BIENNALE ART pensata e diretta da Pietro Franesi, per promuovere una NY che guardi anche alla ricerca oltreche' al mercato. Quella che oggi e' la capitale internazionale dell'arte contemporanea ha assoluto bisogno di colmare questo ritardo culturale.

Con la collaborazione di alcune aziende private, l'evento vede la presenza di artisti internazionali impegnati nella ricerca di nuove espressioni artistiche che intrecciano arte, scienza e tecnologia, promuovendo la consapevolezza delle infinite potenzialità dell'immaterialismo e mostrando la capacità dell'arte di riempire il divario tra realtà e visione ideale. L'immaterialismo, infatti, mira ad essere una sorta di nuovo codice che interpreta la storia dell'arte prendendo il via dalla ricerca, dal dubbio metodologico e dai valori immateriali, intesi come fattori principali per la creazione di un nuovo ordine che si manifesta antico, ed insieme, contemporaneo.

Le opere saranno esposte in luoghi non convenzionali, con l'obiettivo di portare l'arte laddove la gente vive, grandi centri commerciali, parchi e strade. Dai Parchi di NY, alla Sony Plaza, da Wall Street al Time Warner Center.

contests@nybiennaleart.org

http://www.nybiennaleart.org http://nybiennaleart.blogspot.com

Per ulteriori informazioni:

Monica Cavaliere Ufficio Stampa Italia NY Biennale Art Tel. e Fax. 041. 8946206 cell.347.4704114

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Diverse sedi, New York

by ARTICO 09/27/2009

Creative Writing - contemporary poetry

2009-10-28T05:19:00.000-07:00

Creative Writing - contemporary poetry - nybiennaleart biennale new york contemporary art manifesto

Art takes its origins from a more or less stressed distance between its manifestations and reality, through the assumption of artificial shapes that transcend the natural ones: a picture, a poetry or a musical piece are always an added construction that can overcome the borderlines of contingent reality. In the conception of the work of art, modern age creates a gap with the natural events. If we look at the young "prostitute" Olympia of Manet, we notice that the author, by setting aside every emotional involvment, paints her in the way painters of the previous century would have painted a nude of noblewoman. The work of art carries on the process of outdistancing which will become one of the characteristics of contemporary art, and which is regulated from what we can define the "principle of indifference". In the same way, the "Bottle Dryer" of Duchamp undertakes a revolutionary and epochal role. How is it possibile that a normal tool of everyday life can become a work of art? Duchamp simply asks himself: "What is a work of art? If I took a bottle dryer from a wine merchant and put it in a gallery, would it be a work of art?" Yes because the above mentioned bottle dryer would undergo what the surrealist movement calls a "shock", a translation of reality: that object is not used anymore to dry bottles but it becomes a group of shapes that takes a function alternative to the original one. The anthropologist Lévi-Strauss, basing himself on the assumption that usually someone visits an art gallery to see works of art and not to drain bottles of wines for free, states that the fact of finding himself face to face to an object like this – dark and bristling with arms – may let him be in awe of it. This object, in fact, is not anymore what he has been built for, but becomes a kind of ghost, an element that suggests something else, and for this reason, gives rise to different feelings. This suggestion, together with a more complex reflexion that detaches itself from the classical interpretation of the work of art, shows that the decontestualization of an object may create a work of art. We may ask ourselves: what has all of this to do with the materiality of the work of art? But most of all: can we interpret history of art using as main criteria the vision of something that doesn't exist, that cannot be seen, something that the work of art just evokes, recognizing in it the opponent function of the author in relation to the dominant values of every age? Though been dominated by materialism, nowadays we live in an immaterial world: we buy symbols, not products, and we consume virtual entertainement. Also history of art of last decades, with the exponential development of digital, highlights the passage to more and more dematerialized shapes. The same idea of aesthetich event theorized by H.G. Gadamer mainteins that the work of art doesnt's exist thank to its 'materialità', but thanks to the immaterial processes of information and interpretation which the dialectics between the finite shape and what it trascends involves. We can add to this considerations also the current developments of applied sciences, in which the democristian assumption of a "full void" is substituted by a "tingling void" filled with annihilation and creations of "virtual" particles. The physical reality in which we live is not "complete", or in a better way, is filled with elements which are difficult to entrust with a status of existence, unless we prepare ourselves – which we are willing to do – to another idea of reality and materialità. Immaterialism aims to be exactely this: a kind of new Fibonnacci's Code which interprets history of art in a new way, revealing the contradictions and the different interpretation, taking on the research, and so the doubt, as guide, and immaterial values as main factors setting up an order both ancient and contemporary. Promoting the awareness of infinite potentials of the immaterial and showing the ability of art of filling up the gap between reality and ideal is the historical task of our generation, and the NY BIENNALE ART means to be the Manifesto of this philosophy. official web site: www.nybiennaleart.org/ official blog: nybiennaleart.blogspot.com/ By: nybiennaleart Copyright © All Rights Reserved

By languageisavirus.com

NY Biennale Art. New York – Different venues

2009-10-28T05:14:00.000-07:00

NY Biennale Art. New York – Different venues – fino al 25/10/09

NY Biennale Art Prima biennale d'arte immateriale in luoghi non convenzionali Il 27 settembre si inaugura la prima NY BIENNALE ART pensata e diretta da Pietro Franesi, per promuovere una NY che guardi anche alla ricerca oltreche' al mercato. Quella che oggi e' la capitale internazionale dell'arte contemporanea ha assoluto bisogno di colmare questo ritardo culturale.
Con la collaborazione di alcune aziende private, l'evento vede la presenza di artisti internazionali impegnati nella ricerca di nuove espressioni artistiche che intrecciano arte, scienza e tecnologia, promuovendo la consapevolezza delle infinite potenzialità dell'immaterialismo e mostrando la capacità dell'arte di riempire il divario tra realtà e visione ideale. L'immaterialismo, infatti, mira ad essere una sorta di nuovo codice che interpreta la storia dell'arte prendendo il via dalla ricerca, dal dubbio metodologico e dai valori immateriali, intesi come fattori principali per la creazione di un nuovo ordine che si manifesta antico, ed insieme, contemporaneo.Le opere saranno esposte in luoghi non convenzionali, con l'obiettivo di portare l'arte laddove la gente vive, grandi centri commerciali, parchi e strade. Dai Parchi di NY, alla Sony Plaza, da Wall Street al Time Warner Center. contests@nybiennaleart.org http://www.nybiennaleart.org http://nybiennaleart.blogspot.com Per ulteriori informazioni: Monica Cavaliere Ufficio Stampa Italia NY Biennale Art Tel.
e Fax. 041. 8946206 cell. 347.4704114 press@nybiennaleart.org Diverse sedi, New York

by ARTICO 09/27/2009

WinzavodArtReviev

2009-10-22T04:22:00.000-07:00

2009-10-22T04:11:00.000-07:00

ART REPORT - NY BIENNALE ART

2009-09-26T05:39:00.000-07:00

http://www.art-report.com/de/features/interview-mit-dem-direktor-der-new-york-biennale-pietro-franesi

UnDO.Net - NY BIENNALE ART

2009-09-26T05:38:00.000-07:00

http://www.undo.net/cgi-bin/undo/pressrelease/fpressrelease.pl?id=1253877863&day=

Il corpo delle donne - Women bodies

2009-09-21T13:12:00.000-07:00

http://www.ilcorpodelledonne.net/?page_id=91

WOMEN BODIES. This project took off as a matter of urgency. It all started with the observation that women–real women–are an endangered species on television, one that is being replaced by a grotesque, vulgar and humiliating representation.
We sensed the enormity of this loss: the erasure of women’s identity is happening right before our eyes, but without a proper reaction, not even from women themselves.
This led us to select television images that share a common manipulative exploitation of the woman’s body, to let people know what is happening–not only people who never watch television, but especially those who watch it but “don’t see.”
Our aim is to ask ourselves questions, and to pose questions about the reason behind this erasure, a real “pogrom” of which all of us are silent spectators.Our project grants special attention to the erasure of adult faces on television, to the use of plastic surgery to erase any sign of the passage of time, and to the social consequences of this erasure.

Miguel Chevalier - Nature Fractals Flower in vitro 2009

2009-09-21T13:09:00.000-07:00

Invitation Miguel Chevalier Musée de la Chasse et de la Nature Fractals Flowers in vitro 2009 Rappel: Vernissage lundi 21 septembre 2009 sur invitation de 19h00 à 22h00 Télécharger le carton d'invitation. Merci de l'imprimer. (Il sera demandé à l'entrée) Opening Monday 21th September 2009 on invitation from 7p.m. to 10p.m. Download the invitation (Printed invitation required) Si vous recevez cet email par erreur ou que vous ne souhaitez plus recevoir d'email du site miguel-chevalier.com Cliquez ici

TWISTER - Carlo Bernardini

2009-09-21T08:05:00.000-07:00

TWISTER

1 ottobre 2009 ore 11.00

Conferenza stampa d’inaugurazione

Fondazione Stelline / Sala Bramante – Corso Magenta, 61 - Milano

3 e 4 ottobre 2009

Inaugurazione coordinata nelle dieci sedi

La rete dei musei lombardi per l’arte contemporanea vara la prima importante iniziativa.

Inaugura il prossimo 3 ottobre TWISTER, un modello innovativo di alleanza virtuosa tra dieci musei della nostra regione, nato allo scopo di selezionare, esporre ed acquisire opere di arte contemporanea site specific / site related, progettate e prodotte ad hoc tramite un concorso internazionale.

I protagonisti. Dieci musei di arte contemporanea lombardi: i Civici Musei di Milano con il Museo del Novecento, Il FAI con la Villa e la Collezione Panza, la Fondazione Stelline di Milano, la Galleria del Premio Suzzara (MN), la GAM Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate (VA), la GAMeC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, il MAM Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Gazoldo degli Ippoliti (MN), il Museo Civico Floriano Bodini di Gemonio (VA), il Museo d’arte contemporanea di Lissone (MI) e il Premio Nazionale Arti Visive Città di Gallarate creano una rete operativa di incontro e collaborazione per implementare la valorizzazione del proprio patrimonio, sostenere i giovani artisti e favorire la conoscenza dell’arte contemporanea presso il grande pubblico.

La Regione Lombardia. L’Assessorato Culture, Identità e Autonomie della Regione Lombardia mostra da subito un forte apprezzamento per l’iniziativa di collegarsi in una rete di effettiva collaborazione dei dieci musei, che hanno sinora egregiamente operato con una programmazione individuale, rispettosa della propria identità. E grazie alla legge regionale 29 aprile 1995 n. 35 intitolata “Interventi della regione Lombardia per la promozione, il coordinamento e lo sviluppo di sistemi integrati di beni e servizi culturali” offre alla rete dei musei la possibilità concreta di acquisire opere d’arte contemporanea nelle proprie collezioni permanenti, incrementando così il patrimonio artistico pubblico e dando del territorio regionale un un’immagine di notevole slancio verso la contemporaneità.

Da questa grande opportunità legislativa e dal sostegno fattivo di Regione Lombardia, e con il contributo di Fondazione Cariplo, nasce dunque il progetto TWISTER: la rete dei dieci musei vara un importante concorso internazionale a inviti strutturato con due diverse fasi di selezione: un primo momento di disamina dei curricula e dei lavori di repertorio presentati dagli artisti, un secondo di esame dei veri e propri progetti di massima.

Si è richiesto agli artisti di progettare un’opera studiata ad hoc per ciascuno dei dieci musei o in relazione con essi, non invasiva né monumentale, realizzata per rimanere stabilmente nelle collezioni permanenti. Gli spazi a disposizione per gli interventi artistici non sono le sale espositive, ma lo spazio di ogni museo in senso ampio, all’interno e all’esterno, con una attenzione agli “spazi di rispetto” attorno al museo stesso e al tessuto urbano e territoriale circostante.

A dimostrazione del forte orientamento verso una effettiva prospettiva internazionale di TWISTER, la rete dei musei ha cercato e ottenuto la collaborazione, in qualità di advisor, di dieci tra curatori e critici d’arte contemporanea operanti nelle maggiori istituzioni europee: Chiara Bertola (curator Premio Furla, Fondazione Querini Stampali di Venezia, neo direttore artistico Hangar Bicocca); Andrea Bruciati (direttore della Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone); Adam Budak (curatore di Manifesta 2008, direttore della Kunsthaus di Graz): Anna Daneri (curator Fondazione Ratti, Como); Mario Gorni (direttore di CAREOF/DOCVA); Alexandre Gurita (direttore Biennale de Paris, Parigi); Micaela Martegani (direttore MORE ART, New York); Enrico Mascelloni (curatore e critico d’arte contemporanea; consulente dello Haggerty Museum di Milwakee, USA e del Musée des Beaux Arts, Rouen); Novembre Paynter (curatore Biennale Istanbul 2007 e curator alla Tate Modern di Londra); Roberto Pinto (critico e docente presso l’Accademia di Brera e l’Università di Trento).

Gli advisor hanno affiancato la Commissione giudicatrice composta dai dieci responsabili degli enti coinvolti: Daniele Astrologo Abadal, Direttore Museo Civico Floriano Bodini,Gemonio (VA); Anna Bernardini, Direttrice FAI-Villa e Collezione Panza, Varese (VA); Luigi Cavadini, Direttore Museo d’Arte Contemporanea, Lissone (MI); Camillo Fornasieri, Presidente Fondazione Stelline, Milano (MI); Marina Pugliese, Conservatore Civici Musei di Milano – Museo del Novecento (MI); Irene Nicolis, Direttrice Galleria del Premio Suzzara, Suzzara (MN) o Marco Panizza, conservatore; Antonio Pecchini, Rappresentante Premio Nazionale Arti Visive Città di Gallarate (VA); Maria Cristina Rodeschini, Direttore d’Istituto GAMeC - Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (BG); Nanni Rossi, Presidente MAM - Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, Gazoldo degli Ippoliti (MN); Emma Zanella, direttrice della Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate, che ha assunto il ruolo di capofila del progetto, mentre la Fondazione Stelline riveste quello di segreteria organizzativa e coordinamento in collaborazione con il Premio Gallarate.

Hanno contribuito al lavoro della Commissione giudicatrice anche Serhan Ada (Comitato Direttivo Santralistanbul Contemporary Art Museum e Istanbul Capitale Europea della Cultura 2010); Rachele Ferrario (critica d’arte e docente dell’Accademia di Brera); Alberto Fiz (critico d’arte, curatore e giornalista professionista) e Riccardo Passoni (Vice Direttore Fondazione Torino Musei, Amaci).

Da una prima selezione di sessanta artisti (tra singoli e gruppi), si è arrivati ad una rosa di venti nomi:

Mario Airò, Margarita Andreu, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Michael Beutler, Enrica Borghi, Loris Cecchini, Madame Duplok, Chiara Dynys, Lara Favaretto, Flavio Favelli, Alice Guareschi, Lang/Baumann, Maik e Dirk Lobbert, Marcello Maloberti, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, Riccardo Previdi, Emilia Sharfe e PatriK Tuttofuoco.

La selezione finale avvenuta il 6 e 7 aprile scorso ha indicato i dieci prescelti, la cui opera verrà realizzata e acquisita:

Mario Airò, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Loris Cecchini, Madame Duplok, Chiara Dynys, Lara Favaretto, Maik e Dirk Lobbert, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini.

Il concorso prevede inoltre la realizzazione di un intervento artistico in rete, che coinvolge i dieci musei/enti della rete regionale per mostrare ad un tempo l’unicità e la coesione del progetto TWISTER e le specificità di ogni realtà museale, rendendo visibile la rete dedicata all’arte contemporanea in Lombardia. Per questo intervento sono stati selezionati quattro artisti: Ofri Cnaani, Matteo Rubbi, Luca Trevisani e Enzo Umbaca. Ha vinto il concorso Ofri Cnaani.

Gli undici progetti prescelti saranno esposti e inaugurati in contemporanea nelle sedi di ogni museo coinvolto, e saranno i protagonisti di un’unica grande mostra, che verrà inaugurata sabato 3 ottobre prossimo.

Una forte comunione di intenti tra i diversi partner museali coinvolti, dove, per una volta, sono stati azzerati, in nome di una importante iniziativa comune, i campanilismi cittadini così diffusi in Italia, unita al grande sostegno di Regione Lombardia, con il contributo di un partner privato come Fondazione Cariplo, ha permesso dunque di far decollare un progetto di grande valenza culturale e sociale come TWISTER, che raggiunge un triplice obbiettivo: arricchire i singoli musei di significative opere d’arte contemporanea, promuovere e sostenere il lavoro degli artisti, al di fuori di logiche di mercato, favorire l’apprezzamento dell’arte di oggi da parte del grande pubblico.

Ufficio Stampa TWISTER. Rete musei Lombardia per l’arte contemporanea:

Lucia Crespi, tel. 02 89415532 - 02 89401645, lucia@luciacrespi.it

Ufficio Stampa Regione Lombardia:

Massimiliano Rigano, tel. 02 6765.2117 - 02 6765.2374;

massimiliano_rigano@regione.lombardia.it_

info@twisterartecontemporanea.com

* Civici Musei – Museo del Novecento, Milano (MI)

* FAI – Villa e Collezione Panza, Varese (VA)

* Fondazione Stelline, Milano (MI)

* GAM Civica Galleria d’Arte Moderna, Gallarate (VA)

* GAMeC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (BG)

* MAM Museo d’Arte Modernae Contemporanea, Gazzoldo degli Ippoliti (MN)

* Museo Civico Floriano Bodini, Gemonio (VA)

* Museo d’arte contemporanea, Lissone (MI)

* Premio Nazionale Arti Visive Città di Gallarate, Gallarate (VA)

Capofila di progetto

* GAM Civica Galleria d’Arte Moderna

Viale Milano 21 | 21013 Gallarate (VA)

Tel. +39 0331 791 266

Segreteria organizzativa

* Fondazione Stelline

Corso Magenta 61 | 20123 Milano (MI)

Tel. +39 02 45 462 437/431

Comunicato stampa

La nuova mostra alla GAM

The Group Show

Mario Airò, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Loris Cecchini, Ofri Cnaani, Mme Duplok, Chiara Dynys, Lara Favaretto, Maik e Dirk Löbbert, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini

A cura di Emma Zanella

3 ottobre 2009 – 31 gennaio 2010

La performance

L’Idioma di Modesto

di Pierluigi Calignano con l’Orchestra di Via Padova

In occasione della Quinta Giornata del Contemporaneo indetta da AMACI - 3 ottobre 2009

The Group Show è il titolo della mostra collettiva che inaugura nella sede storica della GAM di viale

Milano. La mostra articolata ed estesa occupa per la prima volta tutte le sale espositive del museo e

ospita i lavori di Mario Airò, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Loris Cecchini, Ofri Cnaani, Mme Duplok,

Chiara Dynys, Lara Favaretto, Maik e Dirk Löbbert, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini.

A legare concettualmente le opere in mostra è in primo luogo l’appartenenza degli artisti al progetto

TWISTER Rete Musei Lombardia per l’Arte Contemporanea, promosso dalla Regione Lombardia, dalle

dieci istituzioni coinvolte e coordinato dalla GAM di Gallarate come museo capofila.

The Group Show nasce dunque quale punto di arrivo e di partenza di Twister, occasione unica per poter

conoscere la poetica di tutti e undici i vincitori del concorso che qui si presentano con opere autonome

rispetto a quelle progettate e realizzate per Twister, capaci di riflettere la ricchezza della ricerca artistica

contemporanea, libera di muoversi con linguaggi differenti, mai uguali, riconducibili ad un sentire che pone

lo spettatore quale proprio principale interlocutore.

In mostra si potranno vedere gli esiti della ricerca ambientale di Carlo Bernardini sviluppata

sull’appropriazione dello spazio attraverso fili di luce; la potenza emozionale delle opere di Massimo

Bartolini che respirano e vivono legandosi strettamente allo spazio nel quale sono collocate; la

metamorfosi ossessiva delle forme di Loris Cecchini, che si riverberano l’una sull’altra rimandandosi

continuamente; la poetica visiva della parola nelle opere di Mario Airò e Chiara Dynys; la messa in opera

di un dispositivo che pone in relazione spazi e tempi lontani nell’intervento di Mme Duplok; l’impegno e la

polemica dell’artista nelle opere di Ottonella Mocellin, Nicola Pellegrini e Marzia Migliora; il differente

utilizzo e concetto della fotografia nelle opere di artisti complessi come Maik e Dirk Löbbert e Lara

Favaretto; la sovrapposizione di culture distanti che si arricchiscono reciprocamente nell’opera video

dell’israeliana Ofri Cnaani.

Differenti linguaggi e tecniche a confronto si trovano vicini alla GAM, a provare che la ricerca artistica

contemporanea si muove nella realtà con uno sguardo sempre pronto a rimettersi in gioco.

Contestualmente all’inaugurazione della mostra The Group Show , sabato 3 ottobre 2009

inaugureranno su tutto il territorio regionale gli interventi site specific progettati dagli artisti per ognuno dei

dieci musei lombardi che fanno parte del circuito di Twister.

Vincitori del concorso per la GAM Massimo Bartolini con Un paesaggio da lontano, Maik e Dirk Löbbert

con Welcome e Ofri Cnaani con Primes and Knots. Dreams and Dramas e One-moment-momentum, tutte

opere visibili nella piazza antistante la nuova sede museale di via De Magri.

L’Idioma di Modesto di Pierluigi Calignano con l’Orchestra di Via Padova

Nella stessa serata, dislocata tra la nuova sede della GAM e quella storica, una performance di grande

fascino e impatto estetico. E’ l’esperimento sonoro di Pierluigi Calignano in collaborazione con l’Orchestra

di Via Padova, opera che si concentra e si struttura sull’idea di integrazione sociale. Imembri

dell’orchestra sono collocati in una condizione di impossibilità e difficoltà di ascolto reciproco e distanziati

in modo da formare idealmente i vertici di un perimetro. Il pubblico è così libero di muoversi all’interno di

questo perimetro.

Non solo l’integrazione di stranieri in un progetto di convivenza che è l’orchestra stessa, ma lo

spostamento di un dialogo già in atto in situazioni e luoghi legati all’arte attraverso la presentazione di un

oggetto sonoro in cui la partecipazione del pubblico passa anche attraverso la possibilità di occupare e

attraversare lo spazio di quel complesso dialogo sonoro e culturale che si articola tra i musicisti.

Si rompe così la prassi palco/pubblico e la frontalità dell’ascolto, la forma viene scardinata per fare posto

ad un linguaggio musicale costruito sull’improvvisazione ed un nuovo approccio percettivo.

Il 3 ottobre 2009 è la Quinta Giornata del Contemporaneo, iniziativa indetta da AMACI – Associazione

Nazionale Musei Arte Contemporanea, di cui la GAM è membro.

Biografie

Mario Airò è nato nel 1961 a Pavia; vive e lavora a Milano e Radda in Chianti. I suoi interventi nascono per lo più con l’intento di

indurre nello spettatore stati d’animo e sensazioni fortemente emotivi. Composti da oggetti, immagini, testi, suoni e fonti luminose

giocano sulla delicatezza, sull’effetto incantatorio e seducente per trasformare gli ambienti espositivi in spazi mentali avvolgenti,

irreali, capaci, nella loro insistita perfezione, di restituire il senso di una vita sognata più che vissuta.

Tra le ultime mostre: nel 2009 Infinite Jest, a cura di Giacinto Di Pietrantonio, per MiArt 09; nel 2008, la personale, J’ai tendu des

cordes de clocher à clocher; des guirlandes de fentre à fentre...Galleria Massimo De Carlo, e la XV Quadriennale Arte di Roma,

Palazzo delle Esposizioni, Roma.

Massimo Bartolini è nato nel 1962 a Cecina (LI), dove vive e lavora. Ha utilizzato nel proprio lavoro diverse tecniche (fotografia,

video, installazione); negli ultimi anni ha focalizzato la sua attenzione nella progettazione e costruzione di spazi e luoghi. Le sue

opere sono luoghi da attraversare e nello stesso tempo inconsueti paesaggi mentali che si lasciano riconoscere per qualche

insignificante e quotidiano frammento. Massimo Bartolini è presente alla 53° Biennale Arte di Venezia, Fare Mondi, 2009, tra le

ultime mostre personali quella da Massimo de Carlo a Milano, al Maxxi di Roma e da D’Amelio Terras a New York nel 2008.

Tra le collettive più recenti Italics: Arte italiana fra tradizione e rivoluzione 1968-2008, a cura di Francesco Bonami, Palazzo

Grassi Venezia, nel 2008.

Carlo Bernardini è nato a Viterbo nel 1966. Vive e lavora a Roma e a Milano. Insegna Installazioni Multimediali presso

l'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. L'attenzione di Carlo Bernardini è rivolta al rapporto dialettico tra la linea e il

monocromo, quali momenti diversificati della concezione raffigurativa spazio-luce. Il meticoloso percorso di astrazione è una

graduale ricerca sull'elemento della linea per conquistarne l'essenza, quasi un voler tracciare l'invisibile. La sua ricerca visiva

s’incentra oggi sul concetto di trasformazione percettiva dello spazio attraverso opere tese fra dimensione scultorea ed

installativa. Nel 2009 la personale dell’artista alla Galleria Grossetti a Milano e l’opera Codice Spaziale presso Piazza S.Stefano,

a Bologna; tra le installazioni pubbliche realizzate dall’artista Light Waves, Areoporto del Salento, Brindisi, 2008, Permeable

Space, Valencia, 2008, Catalizzatori di luce, Museo d’Arte Contemporanea, Lissone, 2009.

Loris Cecchini è nato nel 1969 a Milano, vive e lavora Prato e a Pechino. Il suo lavoro mette in evidenza i processi di

decostruzione e ricostruzione di immagini preesistenti. Così avviene nelle sue sculture di gomma uretanica che, dopo essere

state sottoposte ad un processo di smontaggio e ricostruzione, diventano oggetti fuori uso in forma di calchi, sostituendo il

paradigma dello "strumento per" con quello della "cosa in sé".

Partendo da un oggetto o comunque da un’entità portatrice di esperienze date, l’artista genera un nuovo mondo, o meglio un

nuovo progetto che pur restando in continuità con il passato e la sua funzionalità si fa portatore di ulteriori sviluppi.

Tra le mostre personali recenti, Art Tea Time, Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 2009, Empty Walls, Just

Doors, Palais de Tokyo, Parigi, 2007, Cloudless, PS1, MoMA, New York, 2006.

Ofri Cnaani è nata in Israele nel 1975, vive a New York e lavora con video, video-installazioni e disegni. Le opere della Cnaani

esplorano il limite tra la realtà costruita e la realtà vera e propria e approfondiscono le tematiche relative alla dimensione

femminile, alla città e alla percezione spaziale. In Italia lavora in esclusiva con la Galleria Pack di Milano e collabora con

aMAZElab Milano per opere di Public Art nell’ambito del progetto Going Public/Atlante Mediterraneo. Tra le ultime mostre

personali quella presso la Galleria Ugo ferranti di Roma e quella presso la Galleria Le Poisson Rouge di New York; tra le ultime

collettive Wild Exaggeration presso Haifa Museum of Art, di Israele e il progetto speciale The Situation per la Biennale di Mosca.

Chiara Dynys è nata a Mantova nel 1958; vive e lavora a Milano. Fa parte della generazione di artisti degli anni Ottanta che

respinge ogni concetto di stile e di cifra per concedersi la libertà di scelta di temi e modi di intervento nel linguaggio dell’arte. Il suo

lavoro spazia dall’asprezza alla poesia, ai suoi risvolti politici e storici, sempre più tragicamente presenti sulla scena del mondo. Il

contatto con l’osservatore nelle sue opere risulta talmente voluto che questi si trasforma spesso in attore, coinvolto emotivamente

e proiettato nello spazio della creazione. Tra le mostre recenti, Sipario presso il centro ZKM di Karlsruhe, 2009 e Sante Subito,

Galleria Fumagalli, Bergamo, 2008.

Lara Favaretto è nata nel 1973 a Treviso, vive e lavora a Torino.

Alla base dei lavori di Lara Favaretto e attraverso le diverse tecniche che utilizza – dalla performance alla fotografia, dalla pittura

al video, dai disegni alle installazioni – c’e’ sempre l’urgenza di una continua trasformazione e la necessita’ di coinvolgere gli altri

nel processo creativo. E’ un’artista che ha centrato molti dei suoi lavori dislocando il ruolo dell'autore ospitando altri nella

realizzazione della propria opera. Lara Favaretto è presente alla 53° Biennale Arte di Venezia, Fare Mondi, 2009, e ha

partecipato nel 2008 a T2, Torino Triennale, Rivoli, 2008. Tra le sue mostre personali Tramway, Glasgow nel 2009, Lost and

found city, Cuchifritos, New York nel 2007 e alla Galleria Klosterfelde di Berlino nel 2005.

Maik e Dirk Löbbert. Maik Löbbert è nato a Gelsenkirchen nel 1958 e Dirk Löbbert è nato a Wattenscheid nel 1960.

Artisti di Colonia, la loro cooperazione nasce nel 1985, in virtù di un percorso affine, incentrato sulla fotografia, sulla pittura e sulla

scultura per Maik e sulla scultura per Dirk.

Entrambi svolgono attività d’insegnamento a livello accademico. Tra le mostre personali recenti nel 2009 Kunsthalle

Recklinghausen, nel 2008 Innenaulβen, Kunst Merano/Merano Arte, 2008. Alcune delle loro opere sono permanenti in spazi

pubblici a Bonn e a Seoul.

Madame Duplok Si costituisce nel maggio 2003 associando personalità e competenze diverse negli ambiti dell’architettura,

della grafica, della filosofia. Come gruppo aperto, a partire da quella data partecipa ad alcuni concorsi di public art, la quale viene

a costituire lo specifico dei suoi interessi, della sua riflessione e del suo operare artistico. Nel 2004 ha vinto il Premio di Arti Visive

Città di Gallarate. Nel 2006 ha partecipato alla XV Biennale di Parigi. Nel 2008 si è tenuta la mostra personale In giro, Galerie

Koma, Mons (Belgio). Tra le mostre collettive a cui ha partecipato, La memoria delle forme, Lonato Pozzolo (VA), 2008,

ArteAmbiente, Milano, 2007, la XV Biennale di Parigi, nel 2006.

Marzia Migliora è nata nel 1972 ad Alessandria, vive e lavora a Torino. Racconta storie che fanno riferimento di volta in volta a

memorie culturali e collettive o al proprio passato individuale. Le vicende che racconta sono vicende emotive, legate per lo più

all’infanzia, al gioco o al sentire più profondo e più intimo.

Le sue opere, soprattutto fotografie e video, sono legate a tematiche come la relazione con il tempo, la verifica delle proprie

capacità, dei propri limiti, della propria resistenza, ma anche l’effetto delle emozioni. Tra le mostre personali recenti: Concerto per

naufragio interiore, Teatro Out off, Milano, 2008, Bianca e il suo contrario, Galleria Lia Rumma, Milano, 2007, Tanatosi,

Fondazione Merz, Torino, 2006; tra le collettive Emerging talents, Nuova Arte Italiana, Centro di Cultura Contemporanea

Strozzina, Palazzo Strozzi, 2009.

Mocellin+Pellegrini. Ottonella Mocellin è nata nel 1966. Nicola Pellegrini è nato nel 1962; vivono e lavorano a Milano. Da anni i

due artisti affiancano alla propria opera individuale una serie di interventi elaborati a quattro mani. Un carattere narrativo ispirato

all’immagine cinematografica e la grande importanza attribuita al testo, parlato o scritto, sono tipici del loro lavoro.

In alcuni casi queste opere nascono da specifiche situazioni in cui i due artisti si trovano a lavorare. In molti casi sono invece

legate alla tematica delle relazioni affettive e alla necessità di rinnovare i percorsi psicologici ed emotivi attraverso i quali si dipana

l’esistenza quotidiana. L’alternarsi dei punti di vista su cui si costruiscono le loro opere rende visibile la disponibilità alla

condivisione, ma anche il ritmo variabile dei rapporti, l’instabilità emotiva, l’impossibilità di aggrapparsi a una verità univoca, la

continua ricerca di un equilibrio fondamentale ma arduo da raggiungere e destinato a restare precario, la difficoltà di rispecchiarsi

compiutamente l’uno nell’altro. Nel 2009 si è tenuta la personale An incongruous beam of beauty over the gaza strip, Participant

Ink, New York; 2008 la personale Time Code #5, Mambo, Museo d’Arte Moderna di Bologna; tra le collettive più recenti A

Personal Shout, White Columns, New York, 2009 e Dopo la Sicilia, Galleria Credito Siciliano, Catania, 2009, D’Ombra - Papesse,

Centro Arte Contemporanea, Siena, 2006.

Pierluigi Calignano è nato a Gallipoli (Lecce) nel 1971. Vive e lavora a Milano.

Il lavoro di Pierluigi Calignano si trova all'incrocio tra scultura e installazione; l’artiata lavora con materiali leggeri per creare

oggetti che sembrano attraversare il mondo immaginario per divenire improvvisamente realtà tramite l’imprevedibile effetto ironico

e ludico che a tratti evocano. Tra le personali: 2009 L’interminabilità e l’intollerabilità di ogni sforzo terrestre, Palermo; 2007 LRay,

Antonio Colombo Arte Contemporanea Milano, 2005 - Verde a pois (con D. Petitgand), Chiostro del Palazzo delle Stelline,

Centre culturel Français de Milan, Milan. Principali mostre collettive : Fatto in Svezia, Goteborg, Sweden 2007; La Scultura

Italiana del XX secolo, Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano 2005; Z.A.T. Zone Artistiche Temporanee, GAM, Gallarate 2004;

Tirana Biennale 2, Tirana, Albania 2003; Assab One, La generazione emergente dell'arte Italiana, Assab One, Milano 2002

L’Orchestra di via Padova è composta da musicisti professionisti italiani e stranieri che, per motivi diversi, hanno attraversato la

zona denominata “Isola” di Milano in cui è alta la presenza di stranieri ed extracomunitari. Alcuni sono riusciti a fare della musica il

proprio lavoro in Italia, altri sono costretti a mestieri diversi per potersi mantenere, ma nessuno ha perso il proprio bagaglio

professionale e culturale.

Dal 2009 collaborano con Pierluigi Malignano nella creazione e realizzazione di performance.

www.myspace.com/orchestradiviapadova

Programma - 3 ottobre 2009

♦ ore 18.00 nuova GAM - via De Magri, Gallarate

TWISTER Rete Musei Lombardia per l’Arte Contemporanea

Inaugurazione delle opere site specific degli artisti vincitori per la GAM del concorso regionale:

Un paesaggio da lontano di Massimo Bartolini - Welcome di Maik e Dirk Löbbert; intervento in rete Primes

and Knots. Dreams and Dramas e One-moment-momentum di Ofri Cnaani.

♦ ore 19.00 sede storica GAM – v.le Milano 21, Gallarate

The Group Show.

Mario Airò, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Loris Cecchini, Ofri Cnaani, Mme Duplok, Chiara

Dynys, Lara Favaretto, Maik e Dirk Löbbert, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini.

Inaugurazione della mostra

♦ ore 18.30 nuova GAM, via De Magri - Gallarate

ore 19.30 sede storica GAM, v.le Milano 21 - Gallarate

L’idioma di Modesto, performance di Pierluigi Calignano con l’Orchestra di Via Padova

Info

In occasione della Quinta Giornata del Contemporaneo indetta da AMACI - 3 ottobre 2009

La nuova mostra alla GAM

The Group Show

Mario Airò, Massimo Bartolini, Carlo Bernardini, Loris Cecchini, Ofri Cnaani, Mme Duplok, Chiara Dynys,

Lara Favaretto, Maik e Dirk Löbbert, Marzia Migliora, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini

A cura di Emma Zanella

3 ottobre 2009 – 31 gennaio 2010

La performance

L’Idioma di Modesto

di Pierluigi Calignano con l’Orchestra di Via Padova

TWISTER Rete Musei Lombardia per l’Arte Contemporanea

Inaugurazione delle opere site specific degli artisti vincitori per la GAM del concorso regionale:

Un paesaggio da lontano di Massimo Bartolini - Welcome di Maik e Dirk Löbbert; intervento in rete Primes and

Knots. Dreams and Dramas e One-moment-momentum di Ofri Cnaani.

30 ottobre 2009 – 31 gennaio 2010

sede storica GAM – Civica Galleria d’Arte Moderna

viale Milano 21

21013 Gallarate VA

tel: 0331.791266

e-mail: eventi@gam.gallarate.va.it

sito web: www.gam.gallarate.va.it

nuova GAM – Civica Galleria d’Arte Moderna

via de Magri

21013 Gallarate VA

tel: 0331.791266

e-mail: eventi@gam.gallarate.va.it

sito web: www.gam.gallarate.va.it

Ingresso gratuito

PER INFORMAZIONI ALLA STAMPA

Ufficio Stampa Twister. Rete Musei Lombardia per l’Arte Contemporanea

Lucia Crespi, tel. 02.89415532-02.89401645, lucia@luciacrespi.it

Per The Group Show e la performance L’Idioma di Modesto

Giulia Airoldi e Patrizia Pastorelli - Relazioni esterne per la GAM

eventi@gam.gallarate.va.it - 0331.791266

Stefano Tosi - Ufficio Stampa Comune di Gallarate stefanotosi@comune.gallarate.va.it - 0331.754440

Chin Chin Yang - Burning Ice

2009-09-19T06:15:00.000-07:00

http://video.mactv.com.tw/filmDetail_selected.html?fid=272

Willem Fred

2009-09-14T10:49:00.000-07:00

Festival internazionale della fotografia analogica, digitale e in movimento

2009-09-13T17:52:00.000-07:00

Cristina Melotti

2009-09-13T16:38:00.000-07:00

CRISTINA MELOTTI
New Paintings
Private view a cui sarà presente l’artista
12 ottobre 2009
16:00 - 20:30
TRIENNALE DI MILANO – SALA D’ONORE
Via Alemagna 6, Milano
Su richiesta, è possibile commissionare un ritratto personale.
Le opere esposte sono disponibili alla vendita e il 30% del ricavato sarà devoluto al
C.B.D.I.N. Amici Divisione Infantile - Istituto Neurologico Carlo Besta
Per ulteriori informazioni:
Alessandra Scifo +39 335 71 53 627
Beatrice Tartarone bt@imageleap.com
www.cristinamelotti.com
Si ringraziano:
Francesca Planeta
Milano Studio Digital
ImageLeap, New York

LAN Hung

2009-09-03T06:47:00.000-07:00

http://docs.google.com/View?id=ddrkwgnq_255g83jr2dk

Miguel Chevalier - Newsletter

2009-07-19T07:23:00.001-07:00

http://miguel-chevalier.com/newsletter/newsletter.php?news_id=22

Videoart Yearbook 2009

2009-07-07T06:10:00.000-07:00

9-10-11 luglio 2009

Chiostro di Santa Cristina

Piazzetta G. Morandi, 2 - Bologna

Al via la quarta edizione del Videoart Yearbook 2009

Dal 9 all'11 luglio a Bologna:

il meglio della videoarte italiana e un omaggio a William Kentridge

Anche quest’anno, dopo il successo delle prime tre edizioni, il Dipartimento delle Arti Visive dell’Università di Bologna presenta Videoart Yearbook 2009, l’«Annuario della videoarte italiana», kermesse di proiezioni video in tre serate che avrà luogo il 9-10-11 luglio 2009 nel Chiostro di Santa Cristina a Bologna.

La rassegna – unica in Italia nel suo genere – indaga nello specifico le forme espressive della videoarte e della manipolazione dell’immagine, due settori in continua e costante espansione nella sperimentazione artistica odierna, anche grazie all’applicazione delle più recenti tecnologie digitali, ormai assimilate nell’ambito dell’arte ed essenziali a molta della produzione più attuale. Nell’intento degli organizzatori – un team di ricerca formato da Renato Barilli, Alessandra Borgogelli, Paolo Granata, Silvia Grandi, Fabiola Naldi e Paola Sega – Videoart Yearbook si offre come un’attenta ricognizione della videoarte contemporanea; una campionatura ragionata che raccoglie, per questa quarta edizione, il meglio delle ultime e più avanzate produzioni video realizzate tra il 2008 e il 2009 nel panorama artistico italiano.

L’elenco degli autori dei video in rassegna comprende alcuni tra i più quotati artisti in campo italiano sul fronte dell’arte contemporanea. Non mancano, però, giovani artisti provenienti da accademie, centri di sperimentazione e gallerie italiane che da tempo investono sulla videoarte come linguaggio espressivo di punta per l’arte contemporanea.

All’interno della quarta edizione del Videoart Yearbook, e in concomitanza con la “Festa di mezza estate” promossa dalla Scuola di specializzazione in Beni Storici Artistici e dal Dipartimento delle Arti Visive di cui essa è parte integrante, sarà inoltre dedicato uno speciale omaggio all’artista sudafricano di fama internazionale William Kentridge, tra i numeri uno della videoarte al mondo, del quale saranno proiettati – giovedì 9, ore 18 e venerdì 10 luglio, ore 16 – i lavori che hanno suggellato il suo successo, tra cui l’intera serie “Soho Eckstein”, i video del ciclo Zeno, il celebre Tide Table, e le otto video-performances della serie “I am not me, the horse is not mine”, tanto acclamate alla recente Biennale di Sidney nel 2008.

A fare da madrina della Festa di mezza estate e dell’Omaggio a William Kentridge sarà Lia Rumma, tra le più attive protagoniste delle gallerie private nel nostro Paese. Tra gli artisti da lei rappresentati ci sono nomi di primissimo ordine, da Georg Baselitz e Anselm Kiefer a Joseph Kosuth e Gary Hill, da Marina Abramovic e Vanessa Beecroft a Gino De Dominicis, e numerosi altri di fama internazionale tra cui lo stesso Kentridge. Nel ciclo di eventi del Videoart Yearbook 2009 è prevista inoltre la presentazione del volume appena edito da Fausto Lupetti Editore che documenta interamente il primo triennio del Videoart Yearbook 2006-2007-2008, includendo le schede dei centotrenta video selezionati, un profilo degli oltre cento artisti invitati e una serie di contributi saggistici volti ad indagare gli aspetti teorico-critici della videoarte oggi. In ragione di ciò, l’intera kermesse si concluderà – sabato 11 luglio, ore 22 – con la proiezione di una selezione delle opere video meglio rappresentative delle tre precedenti edizioni.

L’inaugurazione dell’intera rassegna è fissata per giovedì 9 luglio, ore 18, con l’Omaggio a William Kentridge. Le proiezioni serali avranno invece luogo alle ore 22 nel maxischermo allestito per l’occasione all’interno del Chiostro di Santa Cristina a Bologna, il prestigioso spazio dell’Università di Bologna in cui ha sede il Dipartimento delle Arti Visive. In caso di maltempo, tutto si svolgerà ugualmente all’interno del Complesso, nell’Aula Magna.

L’iniziativa – ad ingresso gratuito – è inoltre inserita nel cartellone “Bé - Bologna Estate”, la programmazione culturale estiva del Comune di Bologna, ed è promossa con la collaborazione di Unibo Cultura, dell’Istituto Italiano di Cultura di Toronto e di ArtVerona 2009.

L’intero programma è disponibile sul sito www.videoartyearbook.it

La cartella stampa completa è disponibile al seguente indirizzo http://www.videoartyearbook.it/presskit.zip

Il programma

Giovedì 9 luglio
h 18 - Festa di mezza estate
Omaggio a William Kentridge. Interviene Lia Rumma (Galleria Lia Rumma - Milano).
Presentazione del volume Videoart Yearbook 2006-2007-2008, Fausto Lupetti Editore, Bologna 2009
h 22 - Videoart Yearbook 2009 (parte I)

Venerdì 10 luglio
h 16 - Omaggio a William Kentridge.
h 18 - Replica Videoart Yearbook 2009 (parte I)
h 22 - Videoart Yearbook 2009 (parte II)

Sabato 11 luglio
h 22 - Videoart Yearbook 2006-2007-2008
Proiezione di una selezione delle prime tre edizioni

INGRESSO LIBERO
In caso di maltempo le proiezioni si terranno in Aula Magna

Gli artisti
Karin Andersen, Marco Belfiore, Dario Bellini, Gianluca Codeghini, Davide Bertocchi, Bianco-Valente, Leonora Bisagno, Silvia Camporesi, Rita Casdia, Andrea Cavallari, Cristian Chironi, Luca Coclite, Damiano Colacito, Raffaella Crispino, Annamaria Di Giacomo, Francesco Di Tillo, Lilli Doriguzzi, Michael Fliri, Francesco Fossati, Riccardo Giacconi, Patrizia Giambi, Globalgroove, Debora Hirsch, Ilaria Filberti, Ernesto Jannini, Iva Kontic, Mattia Matteucci, Luca Matti, Marco Morandi, Sabrina Muzi, Bruno Muzzolini, Pasquale Napolitano, Massimiliano Nazzi, Francesco Ozzola, Stefano Pasquini, Daniele Pezzi, Michela Pozzi, Marco Rambaldi, Marco Raparelli, Andrea Renzini, Giovanna Ricotta, Fabrizio Rivola, Petar Stanovic, Marco Strappato, Mirco Tarsi, Devis Venturelli, Marco Villani, Debora Vrizzi, Diego Zuelli.

Omaggio a William Kentridge
Giovedì 9 luglio, ore 18
Venerdì 10 luglio, ore 16

Serie “Soho Eckstein”
Johannesburg: 2nd Greatest City After Paris 1989 - 8’
Monumentx 1990 - 8’
Mine 1991 - 6’
Sobriety, Obesity & Growing Old 1991 - 8’
Felix in Exile 1994 - 9’
History of the Main Complaint 1996 - 6’

Weighing... and Wanting 1997 - 7’
Zeno at 4am 2002 - 11’
Zeno Writing 2002 - 12’
Tide Table 2003 - 9’

Serie “I am not me, the horse is not mine” - 2008
A Lifetime of Enthusiasm - 6’
That Ridiculous Blank Space - 2’
His Majesty, the Nose - 6’
Commissariat for Enlightenment - 6’
Prayers of Apology - 6’
I am not me, the horse is not mine - 4’
Country Dances: Shadow - 6’
Country Dances: Newspaper Man - 6’

Videoart Yearbook
è una iniziativa del Dipartimento delle Arti Visive dell’Università di Bologna
E-mail: info@videoartyearbook.it <mailto:info@videoartyearbook.it>

Il comitato
Renato Barilli, Alessandra Borgogelli, Paolo Granata, Silvia Grandi, Fabiola Naldi, Paola Sega

Segreteria organizzativa
Niccolò Bonechi, Gabriele Tosi

Con la collaborazione di
Unibo Cultura
ArtVerona
Istituto Italiano di Cultura di Toronto
Fausto Lupetti Editore

Videoart Yearbook è presente con un apposito gruppo su FaceBook.
Iscriviti http://www.facebook.com/group.php?gid=40591987676&ref=ts , o invita i tuoi amici ad iscriversi.
http://www.facebook.com/group.php?gid=40591987676&ref=ts

www.videoartyearbook.it

ICE EMERGENCY ! - Chin Chih Yang

2009-07-06T13:58:00.000-07:00

Chin Chih Yang's "Burning ICE" project

Burning ICE

An interactive installation by Chin Chih Yang

August 1, 2009, 11 a.m. to 7 p.m.

Union Square Park near 14th Street

New York City

On August 1, experience the melting of Earth’s ice at Burning ICE, an interactive ice environment by Chin Chih Yang. You are invited to cool down on a giant ice bench as your human warmth melts the frozen water—a mirror of how human activity is hastening the melting of the world’s great ice deposits.

Artist Chin Chih Yang will create an interactive environment with large blocks of ice, providing a cool surface on which visitors to Union Square Park may sit (atop towels) on a warm summer day. Emergency lighting will flash from within as the cool ice melts throughout the day, in stark contrast to the hot stone steps at the south side of Union Square Park. The artist—who this spring exhibited and performed at both the Queens Museum and Chelsea Museum—will facilitate the experience, designed to increase awareness of the importance of ice to the human population.

This summer interaction of ice and people is intended to parallel the extreme environmental changes the Earth is experiencing at this time. The rapid melting of ice in the Arctic, Greenland, and elsewhere is occurring at an ever-increasing rate. Higher sea levels, widespread coastal flooding, and the inundation of Lower Manhattan are very real possibilities. Burning ICE is designed to increase awareness of the importance of Earth’s ice to us all.

This project is made possible in part with public funds from the Manhattan Community Arts Fund, supported by the New York City Department of Cultural Affairs and administered by the Lower Manhattan Cultural Council. Additional support provided by New York Foundation for the Arts, and the Taiwanese community: Passport to Taiwan, Taiwan Center, Taiwanese Association of America Greater New York Chapter, Dr. Lung Fong Chen, and the Culture Center of the Taipei Economic and Cultural Office in New York.

Contact Artist:

Chin Chih Yang

chin@123soho.com

www.123soho.com

Attila Csaji - Agnus Dei - PhotoGallery

2009-06-24T06:02:00.000-07:00

La Biennale di Venezia 2009

2009-06-23T15:21:00.000-07:00

This is a part of Pietro Franesi interview at the Opening of La Biennale di Venezia, June 4-6, 2009.

INTERVIEW

I HAVE BEEN TO THE OPENING OF LA BIENNALE DI VENEZIA

5 DAYS WERE NECESSARY TO VISIT ARSENALE AND GIARDINI ( NATIONAL PAVILIONS ).

I LIKE THIS EDITION, I LIKE THIS CURATOR.

THIS EDITION IS THE BEST OF THE LAST YEARS.

I LOVE RUSSIAN , POLAND PAVILIONS AND LAMYA HUSSAIN GARGASH ( UAE PAVILION )

I WAS ENCHANTED BY WEIGHT, BY CLASS, BY ELEGANCE, BY BEAUTY, BY REFINEMENT OF THE UKRAINIAN PAVILION.

THE PROCESS OF CHANGE OF CONTEMPORARY ART, DESPITE THE ART AUCTIONS, GALLERIES AND FAIRS, CONTINUES, SLOWLY BUT INEXORABLY.

THE MAIN FACTORS ARE THE TRANSITION FROM THE OBJECT TO THE PROCESS, FROM THE REPRODUCIBILITY TO THE UNIQUENESS, FROM THE DEALER TO THE ARTIST, FROM COMMERCIAL MATERIAL SPACE TO IMMATERIAL SPACE.

YES WE CAN CHANGE THE CONTEMPORARY ART MARKET.

ADVISE TO VISIT THIS EDITION

THANK YOU MR DANIEL BIRNBAUM

Pietro Franesi

Director

NY BIENNALE ART

Miguel Chevalier - Fractal Flower 2008

2009-06-23T14:22:00.001-07:00

http://www.miguel-chevalier.com/site/pages/autr/59/mosaen.htm

Miguel Chevalier

2009-06-19T02:22:00.000-07:00

http://miguel-chevalier.com/newsletter/newsletter.php?news_id=22

Attila Csaji - Solo Exhibition

2009-06-19T02:16:00.000-07:00

ATTILA CSAJI

Solo Exhibition

"AGNUS DEI"

A new laser light- and sound- installation

curated by Pietro Franesi

Crypt of the Cathedral of Saint Peter

Pécs, Hungary

June 20-21.

Opening 13:00-22:00

Sponsorship

Pécs/Sopianae Heritage Ltd.

Pécs Cultural Centre

Web

http://pecsikult.hu/en/events/show/30011/attila-csaji-agnus-dei-–-laser-light-and-sound-play

http://www.nybiennaleart.org/light_art.htm

Attila Csáji, after several successes all around the world revert whith a solo exhibiton "AGNUS DEI ", curated by Pietro Franesi, in Pécs, Hungary. He is a painter, a graphic artist, a lights artist and a holographer, so he's definable as a “scientist artist” because his art work can comunicate through particular scientific tecniques.

Attila Csáji's art works represent at all the idea of immaterialism, in fact, his installations want return to primitive idea of drawing: the pictograph of the prehistoric age reinterpreted with light. One of the particularity of his works is the contrast between the current world, the dynamism and progress, and the prehistoric painting which represent the first kind of visual expession. With some of most advaced technologies, laser and hologram, he bring at the pubblic primal and pure emotions. Tecnology is utilized for return at primordial sensations, where immaterial surpass material. This apparent antithesis represent, instead, one of strengths of Csáji's art. Csáji doesen't want represent some material object, his works don't would be a copy of reality but new visual creations. He want show a multimedial light sculpture, mobile in time and space also accompained by music. With light art all is possible, every shade of colour, different beam of light, sudden sparkle creating new sensations always different. The shapes created by Csáji with optical effects are always in evolution, every time new. In this case cooperation between science and art allow to raise art from a static material value to a dinamic and free immaterial one.

So dismiss yorself to this primordial sensations.

Good vision.

Pietro Franesi

Roland Senoner: KUNSTFORUM UNTERLAND - Egna

2009-06-09T07:58:00.000-07:00

http://www.exibart.com/profilo/eventiV2.asp?idelemento=74467

http://informarte.ning.com/events/mostra-personale-roland

http://www.articoweb.it/inaugurazioni/roland-senoner-egna-bz-kunstforum-unterland-fino-al-20609

http://montytran.com/weblog/posts/91608-roland-senoner-performance-exhibition-gelabert-gallery-ny-ny/

Chin Chin Yang: 100 degrees

2009-06-09T07:53:00.000-07:00

100 Degrees

June 6 – July 10, 2009
33rd Street & Queens Boulevard, LIC, Queens-NY

Public Intervention Art Project created by artists Hector Canonge and Chin Chih Yang highlights Queens Boulevard and one of the most transited stops under the # 7 Train. The project raises awareness about the environmental state of the planet and encourages audiences to participate in the creation of a temporary site-specific installation.

Saturday, June 6
Public Interactive Performance: 1 - 5 pm
Opening & Video Projections: 6 – 9 pm

Long Island City, Queens-NY (May 2009) -- As part of this year’s Queens Art Express program, New-media artist, Hector Canonge, and media artist, Chin Chih Yang, present the public intervention art project “100 Degrees.” The artists’ collaboration, a commission of the Queens Council on the Arts, consists of a 10 feet transparent sphere whose surface displays the seven “fired up” continents while an encapsulated tree, made from recycled materials, displays writings, opinions, and views of participant audiences. During its month long installation, at 33rd Street & Queens Boulevard (Under the 33 St. Station, # 7 Train), the project is intended to raise awareness about the present state of the planet and the raising of global temperatures affecting various ecosystems. For the opening day, the artists will conduct public workshops, and project visuals taken from popular film culture accompanied by text, sounds, and live video.

Informal Reception at The New Thompson Dinner (across from the installation site).

Directions:
By Train: # 7 Train to Main Street, Flushing, EXIT at 33rd Street/Rawson Street stop station (Installation is at the street level).

More information: www.hectorcanonge.net | www.123soho.com

Contact the artists:
Hector Canonge, 646-338-6301, hector@hectorcanonge.net
Chin Chih Yang, 917-547-9651, chin@123soho.com

Photo Credit: Courtesy of the artists.

100 Degrees is a commission by the Queens Council on the Arts for Queens Art Express. The project is funded in part by the NYC Department of Transportation Urban Art Program –Artenvetions. Additional support provided by the Culture Center of Taipei Economic Office in New York.

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From Chin Chin Yang: Thank you for support on 100 degrees project

Dear Friends,

It was great to see many of you at the opening of 100 Degrees on Saturday.

If you were not able to join us in at the opening, you can still see 100 Degrees (on view until July 10) at 33rd Street Stop of the # 7 Train.

This is the review of the NY Times:

http://www.nytimes.com/2009/06/06/nyregion/06artexpress.html?_r=1&scp=1&sq=Anne%20Barnhard&st=cse

Thank you for your support.

Best Regards,
Chin Chih
917-547-9651
www.123soho.com

Roland Senoner - Geological Feather

2009-05-26T14:02:00.000-07:00

ROLAND SENONER "GEOLOGICAL FEATHER"

Il "Kunstforum Unterland" ha il piacere di invitare Lei
ed i suoi amici alla galleria della comunità
Comprensoriale Oltradige Bassa Atesina ad Egna,
Portici 26, per l'inaugurazione della mostra
"Geological Feather"
che si terrà sabato 6 giugno 2009 alle ore 20.00.

Curatore: Pietro Franesi
Introduzione Heinrich Schwazer
Performace musicale: DJ Pannasonic

Durata della Mostra: 06.06 - 20.06.2009.

Martedì-Sabato
dalle ore 10.00 alle ore 12.00 e dalle ore 16.30 alle ore 18.30
e su prenotazione telefonica: 339 9366551
www.bzgzz.bz.it

Zauber der Zeichnung

2009-05-26T13:53:00.000-07:00

ZAUBER DER ZEICHNUNG ZEICHNUNGEN IN ÖSTERREICH 1946–2009

LA MAGIA DEL DISEGNO DISEGNI IN AUSTRIA 1946–2009

04.04.–12.07.2009
Lanserhaus Eppan / Appiano

INFORMATIONEN / INFORMAZIONI

Dauer der Ausstellung / Durata della mostra 04.04.–12.07.2009

Eintritt / Ingresso
3 Euro (Eintritt frei mit Kulturpass, unter 26, ab 65 Jahren)

Führungen nach Vormerkung
Euro 3 (Ingresso libero con Kulturpass, fi no ai 26 anni, sopra i 65 anni)
Visite guidate su prenotazione Verwaltung Lanserhaus / Amm. Lanserhaus

J.-G.-Plazer-Straße 24 - 39057 St. Michael/Eppan
Tel. 0471 665 856 - www.lanserhaus.eu

Via J. G. Plazer 24 - 39057 S. Michele/Appiano
tel. 0471 665 856 - www.lanserhaus.eu

Öffnungszeiten / Orari di apertura
Di–Fr 15–18 Uhr
Sa–So 10–12 Uhr, 15–18 Uhr

lun–ven ore 15–18
sab–dom ore 10–12, ore 15–18

Seminario - Comunicati Stampa

2009-05-26T11:44:00.000-07:00

http://www.radioemiliaromagna.it/universita/gaming_alma_graduate_school_abruzzo.aspx

http://www.unife.it/comunicazione/news/notizie/seminario-l-arte-contemporanea-oggi-prodotto-artistico-o-prodotto-finanziario-22-maggio/

http://www.liquida.it/arte-contemporanea/

http://www.tafter.it/2009/05/20/ferrara-larte-contemporanea-oggi-prodotto-artistico-o-prodotto-finanziario-seminario-il-22-maggio/

http://www.teknemedia.net/archivi/2009/5/22/mostra/37580.html

http://www.estense.com/?module=displaystory&story_id=51315&format=html

http://www.undo.net/cgi-bin/undo/pressrelease/fpressrelease.pl?id=1242745313&day=

2009-05-26T11:22:00.000-07:00

L’arte contemporanea oggi: prodotto artistico o prodotto finanziario? "Le opportunità del Programma Spinner 2013". Questo il titolo del seminario che si terrà alle ore 10 nell'Aula Magna del Rettorato, (via Savonarola, 9) e che vedrà come relatore d’eccezione il Prof. Michael Moses della Stern University di New York, co-ideatore del “Mei/Moses Fine Art Index”[...]

Fonte: http://www.wikio.it/news/Mei+Moses

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23 maggio 2009 ore 10.00
Facoltà di Economia (Aula EC7), Università degli Studi di Ferrara
Via Voltapaletto, 11

Seminario

"Strumenti innovativi di monitoraggio dei mercati d'arte contemporanea: l'indice Mei-Moses"

Il seminario, che si volgerà dalle ore 10:00 alle ore 12:00 nell’aula EC7 della Facoltà di Economia, sarà tenuto dal Prof. Michael Moses, della Stern University di New York. Il seminario, che si svolge nell’ambito del Corso di perfezionamento MuSeC dell’Università di Ferrara, è sostenuto dal Consorzio Spinner ed organizzato in collaborazione con ICOM-Italia, ANMLI (Associazione Nazionale Musei Locali e Istituzionali ), International School on Culture, Innovation and Sustainable Development (Università di Ferrara). Il seminario intende focalizzare il tema dell’economia dell’arte contemporanea in termini più tecnici. In proposito sarà illustrato il ruolo ed il funzionamento dell’indice Mei-Moses, di cui Mike Moses è uno degli ideatori, sempre più utilizzato a livello internazionale per monitorare gli andamenti del mercato dell’arte contemporanea.
Ingresso libero.

Per informazioni rivolgersi a:
Enrica Gilli
3492680451 enrica.gilli@unife.it

Fonte:http://www.unife.it/comunicazione/news/notizie/seminario-strumenti-innovativi-di-monitoraggio-dei-mercati-d-arte-contemporanea-l-indice-mei-moses-23-maggio/

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Il tema verrà approfondito col professor Michael Moses della Stern University

L’arte contemporanea oggi: prodotto artistico o finanziario?

L’arte contemporanea oggi: prodotto artistico o prodotto finanziario? "Le opportunità del Programma Spinner 2013". Questo il titolo del seminario che si terrà alle ore 10 nell'Aula Magna del Rettorato, (via Savonarola, 9) e che vedrà come relatore d’eccezione il Prof. Michael Moses della Stern University di New York, co-ideatore del “Mei/Moses Fine Art Index” utilizzato come indice di mercato per misurare e monitorare il ritorno annuo da investimenti in opere d’arte.[...]

Fonte: http://www.estense.com/?module=displaystory&story_id=51315&format=html

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Ferrara: L’arte contemporanea oggi: prodotto artistico o finanziario? [...]

Fonte:http://www.tafter.it/2009/05/20/ferrara-larte-contemporanea-oggi-prodotto-artistico-o-prodotto-finanziario-seminario-il-22-maggio.pdf

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Ciclo di seminari integrati su : l'economia dell'arte contemporanea [...]

Fonte: http://www.spinner.it/files/9/4/300_seminari-fe8_rev05.pdf

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Moses M. - seminario

23 Mag 2009 Sabato presso la facoltà di Economia [...]

Fonte: http://www.musec.it/

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Incontro con Michael Moses

Il seminario, tenuto dal prof. Michael Moses della Stern University di New York, intende indagare i meccanismi di funzionamento dell'arte contemporanea, ponendo particolarmente in evidenza la sua duplice valenza, ovvero l'arte contemporanea intesa sia come prodotto artistico sia come prodotto finanziario. [...]

Fonte: http://www.undo.net/cgi-bin/undo/pressrelease/pressrelease.pl?id=1242745313

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27.05.2009

Arte contemporanea: prodotto artistico o prodotto finanziario?

Un seminario dal titolo “L’arte contemporanea oggi: prodotto artistico o prodotto finanziario?” poteva sembrare ambizioso, ma alla fine i protagonisti delle relazioni lo hanno addomesticato e scandagliato con grande maestria. [...]

Fonte:http://www.tafter.it/2009/05/27/arte-contemporanea-prodotto-artistico-o-finanziario/

Rassegna Stampa - Seminario del 22 Maggio 2009

2009-05-19T10:37:00.000-07:00

Coming Soon.

Seminar - 22th May \ Seminario - 22 Maggio

2009-05-13T13:46:00.000-07:00

Seminar
"Contemporary art today:
artistic product or financial product?"
22th May

22 May, 2009 at 10.00 o'clock

Home Room of Ferrara University

Savonarola Street, 9

“Contemporary art today: artistic product or financial pruduct?”

The seminar will take place from 10:00 to 12:00 o'clock, it'll deliver by Prof. Michael Moses, of Stern University of New York. During the event Prof. Patrizio Bianchi, Chancellor of Ferrara University, Prof. Fabio Donato, teacher of economy of cultural enterprises of Ferrara University, and Dr. Pietro Franesi, Director of NY Biennale Art of New York, they also will take part. The seminar intends investigate on the functioning gears of contemporay art, giving special attention to his duble values, to be more precise contemporary art intends both as artistic pruduct and financial product.

Free enter.

For informations:

Enrica Gilli

enrica.gilli@unife.it - 3492680451

http://www.unife.it/comunicazione/news/notizie/seminario-l-arte-contemporanea-oggi-prodotto-artistico-o-prodotto-finanziario-22-maggio/

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Seminario
"L'arte contemporanea oggi:
prodotto artistico o prodotto finanziario?
22 Maggio

22 maggio 2009 ore 10.00

Aula Magna dell'Università di Ferrara

Via Savonarola, 9

"L'arte contemporanea oggi: prodotto artistico o prodotto finanziario?"

Il seminario, che si volgerà dalle ore 10:00 alle ore 12:00, sarà tenuto dal Prof. Michael Moses, della Stern University di New York. Nell’arco dell’evento interverranno anche il prof. Patrizio Bianchi, rettore dell’Università di Ferrara, il prof. Fabio Donato, docente di economia delle aziende culturali dell’Università di Ferrara, e il Dott. Pietro Franesi, Direttore della NY Biennale d'arte di New York. Il seminario seminario intende indagare i meccanismi di funzionamento dell’arte contemporanea, ponendo in particolare in evidenza la sua duplice valenza, ovvero l’arte contemporanea intesa sia prodotto artistico sia come prodotto finanziario.

Ingresso libero.

Per informazioni rivolgersi a:

Enrica Gilli

enrica.gilli@unife.it - 3492680451

http://www.unife.it/comunicazione/news/notizie/seminario-l-arte-contemporanea-oggi-prodotto-artistico-o-prodotto-finanziario-22-maggio/

ROLAND SENONER "AM BIRD"

2009-05-11T13:11:00.000-07:00

PERFORMANCE 24H

BRENDA TAYLOR GALLERY, NEW YORK

CURATOR: PIETRO FRANESI

Dopo il brillante successo della prima personale alla Gelabert Studios Gallery sulla Broadway, Roland Senoner ritorna a New York, con un progetto impegnativo nel momento clou della crisi dell'arte contemporanea.

Una perfomance artistica che si svilupperà con una maratona di disegno per 24 ore alla Brenda Taylor Gallery, una delle gallerie storiche del quartiere dell'arte contemporanea Newyorkese.

Una perfomance dal vivo dove il visitatore potrà gustare il lavoro dell'artista dalla prima strisciata di graffite fino alla realizzazione conclusiva dell'opera.

Con la perfomance Senoner vuole rimarcare i valori della fatica e dell'amore per l'arte come elementi fondativi dell'atto creativo, in controtendenza con i valori che il mercato speculativo ha offerto: leggerezza e riproducibilità.

Il tema “am bird” ripropone il filone principale della ricerca di Senoner, la libertà intesa come elemento naturale che prescinde dalle regole scritte dagli uomini.

Collaborare con Senoner è facile basta evitare di rendere confuso ciò che lui disegna in maniera chiara e trasparente.

In questi giorni ho partecipato a due funerali e mezzo.

All'Armory Show il morto era sdraiato su una bara di platino e diamanti, ricca e preziosa ma non per questo capace di nascondere l'odore del morto: l'arte commerciale.

Il quartiere fieristico di Chelsea ormai è isolato dal resto della città, una sorta di quarantena, che è stata prolungata fino al settembre del 3009. Galleristi impestati animano le stanze vuote e urlano la loro disperazione. Nelle strade solo il branco dei banchieri avvolti da lunghi copricapi color rosso e con delle mascherine color nero, aspettano armati di enormi retini le prede che escano dai palazzi, per pignorare opere ed anime. Artisti fino a ieri unti dal signore si nascondono per paura di essere riconosciuti dai loro collezionisti.

Il mezzo funerale era allo Scope. Mezzo perché la metà dei galleristi era rimasta a casa. Ma anche qui aria pesante e denti affilati erano in bella mostra nelle bocche dei pochi galleristi presenti. Il re è nudo. Viva il re.

Il disegno di Roland Senoner è un alito di speranza ed insieme la certezza che da questa crisi usciremo migliori, anche nell'arte.

Collegatevi ad internet e potrete vederlo dal vivo.

Buona visione.

Pietro Franesi

link
http://rolandsenoner.blogspot.com/2009/03/exhibitions-current.html

Milano, Italia - Miguel Chevalier

2009-05-11T12:29:00.000-07:00

Fractal Flowers 2009 Miguel Chevalier
Software By Cyrille Henry Boffi Solferino,
Milano, Italia

IMAL art center - Miguel Chevalier (April 2009)

2009-05-11T11:51:00.000-07:00

Fractal Flowers 2009, Miguel Chevalier

Imal, Center for Digital Cultures and Technology, Brussels (Belguim)

Software Cyrille Henry

Carlo Bernardini - Codice Spaziale

2009-05-05T08:57:00.000-07:00

Grossetti Arte Contemporanea

Via di Porta Tenaglia 1/3, Milano

presenta

Carlo Bernardini
Codice Spaziale

Dal 7 Aprile al 29 Maggio 2009

Inaugurazione 7 aprile, ore 18.30

Dopo le grandi installazioni site specific di recente produzione nella Città della Scienza di Calatrava a Valencia, all’interno dell’aeroporto di Brindisi e in Piazza Santo Stefano per la città di Bologna, Carlo Bernardini con uno spettacolare intervento in fibre ottiche trasforma lo spazio della Galleria Grossetti fino ad attraversarne i muri. Nella penombra della galleria un bosco di prismi luminosi e light box come “finestre” su un mondo spaziale creano uno spazio di luce architettonico mentale, incorporeo ma visibile, che modificando le coordinate visive dell'ambiente reale ne cambia totalmente funzione e struttura.

I materiali che Carlo Bernardini usa nelle sue grandi installazioni sono la presenza di un segno e contemporaneamente la sua virtualità, una presenza tanto più evidente quanto più invisibile è il suo supporto, e tanto più fisica quanto più è immateriale.

La sua ricerca visiva s’incentra quindi sul concetto di trasformazione percettiva in cui la luce crea un disegno nello spazio, un disegno che cambia secondo i punti di vista e secondo gli spostamenti dello spettatore che si ritrova a vivere dentro l’opera.

CARLO BERNARDINI e` nato a Viterbo nel 1966. Si e` diplomato nel 1987 all’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 1997 ha pubblicato il saggio teorico sulla “Divisione dell’unità visiva” edito da Stampa Alternativa. E’ stato invitato a 2 Quadriennali di Roma e a una Triennale di Milano. Opera con la fibra ottica dal 1996; ha realizzato grandi installazioni ambientali esterne in fibre ottiche, e sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane. Ha vinto per 2 volte nel 2000 e nel 2005 il premio "Overseas Grantee" della Pollock Krasner Foundation di New York, e nel 2002 il premio Targetti Art Light Collection “White Sculpture”. E’ insegnante di Installazioni Multimediali all’Accademia di Belle Arti di “Brera” a Milano. Vive e lavora a Roma e a Milano.

Ha realizzato sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane, nel 2003 le grandi sculture presentate temporaneamente a Roma in Piazza del Campidoglio per il Semestre di presidenza italiana nell’Unione Europea, nel 2008 “Light Waves” opera permanente presso l’Aeroporto di Brindisi, grandi installazioni ambientali in fibre ottiche in esterno come a Valencia alla Ciudad De Las Artes Y Las Ciencias, e a Bologna in Piazza S.Stefano per Art First - Fiera di Bologna, a Reggio Emilia ai Chiostri di S.Domenico in occasione della mostra "2000 Anni Luce", a Padova nel 2000 in via Fiume ad angolo con il Palazzo della Ragione per "Accordi di Luce", ad Ancona nel 2001 in Piazza Cavour per “Luci di Ancona” e ancora nel 2008 al Museo d’arte contemporanea di Lissone (MI). Sue mostre personali recenti sono state nel 1998: "Accordi di Luce" Galleria Nazionale della Pilotta, Parma; 1999 Galleria Spaziotemporaneo, Milano; Museo Laboratorio di Arte Contemporanea Università "La Sapienza" Roma; "Light" Galeria Arsenal, Bialystok (Poland); 2000 Galleria L'Isola, Trento; 2001 Galleria Fioretto, Padova; 2002 Sculpture Space, Utica, New York; 2003 Galleria del Naviglio, Milano; Galleria Spaziotemporaneo, Milano; 2004 Museo Passo Imperiale, “Espaço permeável 2004”, Rio De Janeiro; Galleria Milano, Milano; Galleria Bruna Soletti, Milano; Galleria Spazia, Bologna; 2005, Galleria Les Chances de l’Art, Bolzano; Il Sole Arte Contemporanea, Roma; Velan Centro Arte Contemporanea, Torino; 2006 Galleria Milly Pozzi, Como; 2007 Swing Space, LMCC, New York; 2008 Galleria Bruna Soletti, Milano; Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (MI); Castello di Rivara (TO).

Grossetti Arte Contemporanea
Via di Porta Tenaglia 1/3, Milano
Tel (+39) 02 2906.2128 | Fax (+39) 02 2901.4767
galleria@grossettiart.it
www.grossettiart.it
Orario: MAR-VEN 11/19 e LUN 15/19

Carlo Bernardini Codice Spaziale 2009
Installazione ambientale in fibre ottiche mt h 15 (da terra) x 23 x 26.
Bologna, Piazza S.Stefano, Art First - Fiera di Bologna.
Grossetti Arte Contemporanea Milano.

Carlo Bernardini Codice Spaziale 2009
Immagine dell'installazione site specific nella galleria Grossetti Arte Contemporanea Milano.

OPEN MIND(S).

2009-05-05T08:51:00.000-07:00

Collezionismo comasco nel contemporaneo 1978-2008

Da Mercoledì 06 maggio 2009 ore 19 a Domenica 28 giugno 2009

Orari: Mar/Dom h. 10.00/19.00

Conferenza stampa 6 maggio 2009 ore 12.00
Villa del Grumello

Inaugurazione 6 maggio 2009 ore 19.00

6 maggio - 28 giugno 2009

A cura di Giorgio Verzotti

Sedi:
Villa del Grumello e Villa Sucota
Via Cernobbio 11 e 17
Como

Fondazione Antonio Ratti
Lungo Lario Trento 9
Como

Catalogo: Cattaneo Paolo Grafiche

La Camera di Commercio di Como, in collaborazione con la Fondazione Antonio Ratti, inaugura il 6 maggio, in occasione dell’apertura di Proposte 2009, la mostra Open Mind(s). Collezionismo comasco nel contemporaneo 1978-2008, a cura di Giorgio Verzotti. L’esposizione sarà aperta al pubblico fino al 28 giugno nelle due sedi di Villa del Grumello e Villa Sucota, con ingresso libero.

La mostra, nata da un’idea di Paolo De Santis, Presidente della Camera di Commercio di Como, è la seconda indagine sulla vivace attività dei collezionisti d’arte lariani che prosegue idealmente quella condotta in occasione di Arte Svelata, realizzata nel 1987 e focalizzata sulle raccolte private dall’Ottocento ai primi anni Ottanta del secolo scorso. Open Mind(s) intende documentare l’attività artistica internazionale sviluppatasi dopo quel periodo e raccoglie una selezione di oltre quaranta opere realizzate dal 1978 ai giorni nostri.

Accanto a maestri come Bernd & Hilla Becher, Dan Flavin, Piero Gilardi, Alex Katz, Joan Jonas, Giulio Paolini, Gerhard Richter, Mario Schifano, Emilio Vedova, Gilberto Zorio, che negli anni presi in considerazione dalla mostra hanno creato l’opera della loro maturità, vengono segnalati alcuni fra i protagonisti delle tendenze che dalla fine degli anni Settanta hanno caratterizzato le migliori avanguardie. Si tratta del ritorno alla pittura figurativa di Mike Bidlo, Jean-Charles Blais, Pizzi Cannella, Sandro Chia, Markus Lüpertz, Mimmo Paladino, Julian Schnabel e poi delle ricerche più sperimentali, che si sono imposte nel corso degli anni Novanta, come quelle di Marco Cingolani, Wim Delvoye, Peter Halley, Haim Steinbach e Jeff Wall.

La mostra prosegue poi la sua indagine sulle tendenze internazionali più recenti, con protagonisti quali Carlo Bernardini, Diango Hernández, Johnathan Monk, Shirin Neshat, Marc Quinn, Jennifer Steinkamp, Timoty Tomkins, Feng Zhengjie, e altri ancora.

Vengono, inoltre, presentati lavori di artisti più legati al territorio di Como, ampiamente riconosciuti e storicizzati, come Giuliano Collina e Nicola Salvatore.

Open Mind(s) offre al pubblico un’occasione unica di vedere raccolte opere di autori protagonisti e interpreti del tessuto della nostra cultura contemporanea, che abitualmente sarebbe impossibile o molto difficile ammirare. Per una volta, le collezioni private diventano pubbliche, testimoni di quell’apertura mentale (da cui il titolo della mostra, che volutamente richiama quello di una rassegna tenuta al museo di Gent nel 1989) degli estimatori comaschi riguardo all’arte contemporanea in tutte le sue forme.

Open Mind(s) vuole dunque essere una testimonianza della preveggenza che ha guidato il collezionismo privato lariano, discreto ma attento alle espressioni d’arte più nuove.

Le opere sono esposte presso due dei luoghi più affascinanti e meno conosciuti del lago – come Villa del Grumello, recentemente restaurata su iniziativa della Camera di Commercio di Como, e Villa Sucota che verrà presto riportata al suo splendore. Fanno parte della mostra le opere di Jimmie Durham e Richard Nonas installate attualmente nel giardino della Fondazione Antonio Ratti.

Open Mind(s) sarà accompagnata da un catalogo realizzato da Cattaneo Paolo Grafiche che conterrà un testo del curatore e documenterà le opere allestite in situ.

Info
Villa del Grumello
tel +39 031 2287620
Fondazione Antonio Ratti
tel +39 031 233111

Ufficio stampa
FAR: Teresa Saibene e Angela Maderna
ufficiostampa@fondazioneratti.org
tel 031 233211
Camera di Commercio di Como:
Elisa Garganigo, Camera di Commercio di Como
tel 031 256516
garganigo@ca.camcom.it

ACCOUNTABILITY FOR TORTURE

2009-04-23T05:45:00.000-07:00

Dear Friends and Colleagues:

This morning a coalition of human rights groups and other organizations launched an appeal to the President to establish a commission of inquiry to examine and report publicly on America's use of torture in the period since September 11, 2001. Please sign the petition and forward this email to your friends, family, and colleagues.

http://commissiononaccountability.org/

Regards,

Pietro Franesi

Director NY BIENNALE ART

Emotional Landscapes: Patricia Yossen

2009-04-22T05:34:00.000-07:00

Downtown Art Center Gallery Announces

Emotional Landscapes: Patricia Yossen
March 12- April 9, 2009
Opening Reception: Thursday, March 12, 6-9pm

Los Angeles, CA – The Downtown Art Center is pleased to present Emotional Landscapes, its first solo exhibition with the Los Angeles-based Argentine artist Patricia Yossen.

In her work, Yossen uses a variety of media to explore space, her central theme, and its relationship to absence, distance and dislocation in the complex contemporary world.

Her most recent work approaches this theme through the use of landscape. Yossen takes one of the oldest and most time-honored topics of artistic inquiry, and unhinges it from traditional understandings of the subject. Stepping beyond conventional notions of “landscape,” she relies upon line, repetition and accumulation to populate otherwise undefined stretches of emptiness, providing clues to the size and proportion of the topic, but denying any sense of definition. Her landscapes are unbroken, but for the occasional vague figure.

Because of this, the spectator standing before Yossen’s work paradoxically finds herself in the vantage point with the best view of the landscape, yet is always outside it, removed from participation. This is the position of the traveler, the visitor, the alien and the alienated. As such, the work heightens the sense of removal and the impossibility of truly knowing that which we most wish to grasp.

In some of her work, the materials have been intricately and painstakingly placed, as in the title piece, “Emotional Landscape,” an installation built with thousands of steel needles collected from different clothing makers hammered into a spotless wall. Elsewhere, particularly in her drawing, the artist plays with the sweeping mineral textures of the charcoal. In all cases, the work develops the feeling of transience and loss.

Patricia Yossen was born in Santa Fe, Argentina in 1973. She studied art in Argentina and Mexico, where she worked for nearly a decade. In 2008, she finished her MFA in sculpture at Pratt Institute in Brooklyn, NY. She has shown her work in Argentina, Mexico, Canada, New York and Los Angeles. Currently, she lives and works in Los Angeles.

Gallery Hours: Monday - Friday from 8:00 A.M. to 4:00 P.M.
For more information, please contact: info@dacgallery.com

DAC Gallery, 828 S Main Street
Los Angeles, CA 90014
213-627-7374

DAC in participating in LA’s Downtown Art Walk, happening the second Thursday of every month.

L’èrt de Grones a la concuista de New York

2009-04-16T15:55:00.000-07:00

L artist fodom l tolarà pèrt a la Bienal creada da Pietro Franesi co nen retrat de 365 retrac

Èrt - Davò la Bienal de Venezia e la Portrait Gallery de Londra, l’èrt de Gabriele Grones la ruarà ence da l’autra pèrt del oceano. Dal 25 al 27 de otobre defati, l tolarà pèrt a la Bienal de New York, una de le espojizion d’èrt d’aldidancuoi plu cugnisciude e de segur ence chëla plu aldefòra dal conformism. Ideator e diretor de la Bienal l é Pietro Franesi, che La Usc à bele ntervisté davántvia perciéche da temp l colaboreia co nen auter artist ladin, Roland Senoner de Gherdëna, ence dël prejent a New York. Gabriele l portarà n’ opera dal titol “NY Portrait”, fata da 396 pichi retrac de deplù mesure (cm 7x7; cm 14x14; cm 28x28) che rafigureia desvalive persone. I retrac i vignarà tachei auna un al auter a na mòda che da dalonc i se buìsc un ntel auter fin a lascé vedei n autoretrat del autor. L’opera la vignarà metù fora al Time Warner Building. “Coscita descrìf Grones suo nuof laor. “È prové a respone a la domànda: chèl elo l vis de New York? No l é poscibile ciapé fòra mefo n vis per definì la storia e l’anima de na zité, souradut se la zité l’é New York. L’é n simbol de eterogeneité, n luoch ulache se ciapa jent de trope culture e tradizion, e mplù, vigni un l é l resultat de na complicada trama de evenc esperienze e coredo genetich. Per chisc motivi n retrat ideal de New York po’ ester n mescedé plù vis, ulache la relazion nánter i singoi retrać fèsc ntáne e percepì n “retrat global” L mescedòz de retrać ntei ogli de chi che osièrf, l crea l’ impresción de ester davánt a nen sol retrat. Vigni depent pièrt la sua denotazion e l deventa sugestion, per fé ntëne ogni particolar del vis, coscita da compone e creé la trama del New York Portrait.” Per chi che volëssa n savei deplù i po’ vijité l scito internet http://www.nybiennaleart.org. Notizie e su Gabriele Grones se le ciapa sot al link sot “selected emerging artist”.

Fonte: http://www.lauscdiladins.com

CARLO BERNARDINI - Codice spaziale

2009-04-11T12:01:00.000-07:00

Il 16 aprile 2009, alle ore 19, nello spazio Velan, in Via Modena 52 a Torino, si inaugurerà la mostra personale di

CARLO BERNARDINI

Codice spaziale

La Galleria Velan è lieta di presentare un progetto site-specific di Carlo Bernardini.

Per l’occasione l’artista realizzerà, all’interno dello spazio Velan Centro d’Arte Contemporanea, un’installazione in fibre ottiche e superfici elettroluminescenti. Questi materiali che Carlo Bernardini usa nelle sue grandi installazioni sono la presenza di un segno e contemporaneamente la sua virtualità, una presenza tanto più evidente quanto più invisibile è il suo supporto, e tanto più fisica quanto più è immateriale.

La luce crea un disegno nello spazio, un disegno che cambia secondo i punti di vista e secondo gli spostamenti dello spettatore che si ritrova a vivere dentro l’opera.

Le installazioni sperimentali in fibre ottiche dell’artista cambiano la percezione modificando le coordinate visive dell'ambiente reale; si possono osservare come forme triangolari o romboidali tipiche di un espressionismo libero dello spazio con cui Bernardini opera, disegnando in negativo linee di luce nell'ambiente buio così come su un foglio scuro. L'attenzione dell’artista è rivolta al rapporto dialettico tra la linea e il monocromo, quali momenti diversificati della concezione raffigurativa spazio-luce. La sua ricerca visiva s’incentra oggi sul concetto di trasformazione percettiva dello spazio attraverso opere tese fra dimensione scultorea ed installativa. Le installazioni ambientali creano uno spazio di luce architettonico mentale, incorporeo ma visibile, che cambia totalmente la funzione e la struttura dell’ambiente reale.

CARLO BERNARDINI e` nato a Viterbo nel 1966. Si é diplomato nel 1987 all’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 1997 ha pubblicato il saggio teorico sulla “Divisione dell’unità visiva” edito da Stampa Alternativa. E’ stato invitato a 2 Quadriennali di Roma e a una Triennale di Milano. Opera con la fibra ottica dal 1996; ha realizzato grandi installazioni ambientali esterne in fibre ottiche, e sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane. Ha vinto per 2 volte nel 2000 e nel 2005 il premio "Overseas Grantee" della Pollock Krasner Foundation di New York, e nel 2002 il premio Targetti Art Light Collection “White Sculpture”. E’ insegnante di Installazioni Multimediali all’Accademia di Belle Arti di “Brera” a Milano. Vive e lavora a Roma e a Milano. Ha realizzato sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane, nel 2003 le grandi sculture presentate temporaneamente a Roma in Piazza del Campidoglio per il Semestre di presidenza italiana nell’Unione Europea, nel 2008 “Light Waves” opera permanente presso l’Aeroporto di Brindisi, grandi installazioni ambientali in fibre ottiche in esterno come a Valencia alla Ciudad De Las Artes Y Las Ciencias, e a Bologna in Piazza S.Stefano per Art First - Fiera di Bologna, a Reggio Emilia ai Chiostri di S.Domenico in occasione della mostra "2000 Anni Luce", a Padova nel 2000 in via Fiume ad angolo con il Palazzo della Ragione per "Accordi di Luce", ad Ancona nel 2001 in Piazza Cavour per “Luci di Ancona” e ancora nel 2008 al Museo d’arte contemporanea di Lissone (MI). Sue mostre personali recenti sono state nel 1998: "Accordi di Luce" Galleria Nazionale della Pilotta, Parma; 1999 Galleria Spaziotemporaneo, Milano; Museo Laboratorio di Arte Contemporanea Università "La Sapienza" Roma; "Light" Galeria Arsenal, Bialystok (Poland); 2000 Galleria L'Isola, Trento; 2001 Galleria Fioretto, Padova; 2002 Sculpture Space, Utica, New York; 2003 Galleria del Naviglio, Milano; Galleria Spaziotemporaneo, Milano; 2004 Museo Passo Imperiale, “Espaço permeável 2004”, Rio De Janeiro; Galleria Milano, Milano; Galleria Bruna Soletti, Milano; Galleria Spazia, Bologna; 2005, Galleria Les Chances de l’Art, Bolzano; Il Sole Arte Contemporanea, Roma; Velan Centro Arte Contemporanea, Torino; 2006 Galleria Milly Pozzi, Como; 2007 Swing Space, LMCC, New York; 2008 Galleria Bruna Soletti, Milano; Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (MI); Castello di Rivara (TO); 2009 Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milano.

Si ringrazia per il contributo: Regione Piemonte.

La mostra resterà aperta dal 16 aprile al 12 maggio 2009 con i seguenti orari:

da Martedì a Venerdì ore 16 – 19

Patricia Yossen at Los Angeles

2009-03-05T04:37:00.001-08:00

Downtown Art Center Gallery Announces
Emotional Landscapes: Patricia Yossen
March 12- April 9, 2009
Opening Reception: Thursday, March 12, 6-9pm

Los Angeles, CA – The Downtown Art Center is pleased to present Emotional Landscapes, its first solo exhibition with the Los Angeles-based Argentine artist Patricia Yossen.

Because of this, the spectator standing before Yossen’s work paradoxically finds herself in the vantage point with the best view of the landscape, yet is always outside it, removed from participation. This is the position of the traveler, the visitor, the alien and the alienated. As such, the work heightens the sense of removal and the impossibility of truly knowing that which we most wish to grasp.

In some of her work, the materials have been intricately and painstakingly placed, as in the title piece, “Emotional Landscape,” an installation built with thousands of steel needles collected from different clothing makers hammered into a spotless wall. Elsewhere, particularly in her drawing, the artist plays with the sweeping mineral textures of the charcoal. In all cases, the work develops the feeling of transience and loss.

Patricia Yossen was born in Santa Fe, Argentina in 1973. She studied art in Argentina and Mexico, where she worked for nearly a decade. In 2008, she finished her MFA in sculpture at Pratt Institute in Brooklyn, NY. She has shown her work in Argentina, Mexico, Canada, New York and Los Angeles. Currently, she lives and works in Los Angeles.

Gallery Hours: Monday - Friday from 8:00 A.M. to 4:00 P.M.
For more information, please contact: info@dacgallery.com

DAC Gallery, 828 S Main Street
Los Angeles, CA 90014
213-627-7374

DAC in participating in LA’s Downtown Art Walk, happening the second Thursday of every month.

patriciayossen.com

Art Nouveau Magazine

2009-02-18T02:08:00.001-08:00

Interview to Pietro Franesi: Art's oracle of Change

Interview To Joyce Dibona

2009-02-16T14:28:00.000-08:00

What was the moment in your life that caused you to follow your passion of becoming an artist?

I had been showing work and studying art for sometime. About six months after a divorce I decided to quit my job with an advertising agency, rent a studio and become a full time professional artist.

Do you have an academic background in your chosen media or are you self-taught?

I am both self taught and somewhat academically trained.

What is your inspiration for your work?

My work is primarily brought forth from my own internal landscape. It is drawn from my perception of and reflections on life.

How has your work evolved over the years?

I have always been inclined towards exploration, experimentation and improvisation. After many years of painting, my work evolved into three dimensional painting and sculptural explorations. This brought me to my tattoo sculpture and conceptual sculptural work.

Does your work have a particular message? If so, how have you seen the public interpret your work?

My work often has to do with the spiritual nature of things. I see human life as part of the whole of creation. I personally believe that as more people come to understand the connection of all life there will be more reverence for life and that will be reflected in the choices and decisions that humans individually and collectively make. I believe as many do that we are at a sort of “crossroads” of human experience on this planet. We have reached a point where our decisions can tip the balance in one direction or another. I believe that life goes on and on, but the human experience on this planet might not; that it is highly dependent upon whether or not we evolve consciously.

What has been your experience working with galleries and exhibit spaces?

It has been very favorable. I have shown at different galleries and exhibit spaces here in Texas over the years. Currently I am showing work at Monkdogz Urban Art in New York City, and have a wonderful relationship with them. I am working with Pietro Franesi, the Director of the NYBiennale on a piece that will be one of the “Special Projects” during the NY Biennale in September of 2009. I personally have found that most people that are in the art business are there because they genuinely love the art.

What is your favorite aspect of being an artist?

Creating, creating, creating! I consider it a very large gift to be given the ability and opportunity to convey what I consider to be important concepts. As an artist, my medium allows me to communicate across cultural and language barriers. Over the years I have formed significant friendships with artists and individuals all over the world.

What is your professional goal? Where would you like to see your work represented in the future?

My professional goal is to enter a more International arena with my work. I am currently drawn to work that is conceptual and sometimes controversial. I hope to open a dialogue on some difficult issues through my work. Additionally, I have plans for collaboration with other artists to demonstrate how we can come together to create peace and communication between cultures and nations. Such collaborations are a small drop in an ocean of discord, but I believe it can make a positive difference.

Do you have a favorite piece in your portfolio/studio? What is it about this piece that makes it special and how does it represent you as an artist?

I believe that the piece I am creating for The NY Biennale is the most profound piece I have yet created. It is a work that has truly stretched me as an artist, both technically and emotionally. I also feel very strongly about my most recent tattoo piece “Reconciliation”. This piece was an examination of our “perception” of Good and Evil. It had a creative life of its own, and when completed I was somewhat surprised at how the story unfolded naturally around this piece, ultimately leading to the key, which was Love.

Do you have any advice to upcoming and emerging artists?

I think my advice would be that if you truly love what you are doing, believe in yourself. Success in the visual arts rarely comes quickly, so you need to be able to persevere and keep your creative fire while you’re at it. I would stress how important it is to create, even when you don’t necessarily feel like creating. They won’t all be masterpieces, but each piece will contribute to your growth.

I also think it is important to pay attention to relationships. Have integrity, learn to manage your own ego without being a doormat. I think in the beginning stages it is very valuable to find a group of like minded artists to exhibit with. There is a lot of valuable support that comes from these early interactions. As a group you can create your own exhibition opportunities, independently and sometimes through established galleries. As you mature as an artist, it often becomes a more solitary pursuit. It has been my experience that interactions then take on a more serious quality because time becomes of the essence.

Where can people learn more about your work?

I welcome studio visits for those people in Austin or visiting. Additionally my website has a good representation of my work and resume. Right now one can go to the NYBiennal site to read a bit about my current project.
http://nybiennaleart.blogspot.com
http://www.nybiennaleart.org

Galassia Arte

2009-02-16T14:26:00.001-08:00

TRi Selectif

2009-02-09T11:16:00.001-08:00

Swide

2009-02-09T11:14:00.000-08:00

Istanbul Foundation for Culture and Arts

2009-02-09T05:17:00.000-08:00

Documenta 12

2009-02-09T05:16:00.000-08:00

The Saatchi Gallery

2009-02-09T05:13:00.000-08:00

FERNANDO CARPANEDA

2009-02-03T06:10:00.000-08:00

Hey folks I will be showing my "gay dolls" at The Dirty Show 2009! in Detroit! Get details, visitor info, directions etc. at... http://www.dirtyshow.org

EXHIBITION SCHEDULE:

February 6
Friday Evening
OPENING NIGHT

7:00pm - 2:00am
21 & Over
Tickets $15 Advance

February 7
Saturday Evening

7:00pm - 2:00am
21 & Over
Tickets $15 Advance

February 8
Sunday
DAYTIME Only

12:00pm - 6:00pm
18 & Over
$10 No Advance

February 13
Friday Evening

7:00pm - 2:00am
18 & Over
Tickets $15 Advance

February 14
Saturday Evening
Valentine's
Closing Celebration

7:00pm - 2:00am
18 & Over
Tickets $15 Advance

*Age Restrictions apply
Valid Photo ID is required to enter

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GAZA JUSTICE ACTION CENTER

2009-02-02T10:10:00.000-08:00

Watch.

Growth in Progress

2009-01-27T07:49:00.000-08:00

-Between Oblivion and Memory: a way for the Future-

Dialogue between culture, Indian culture and psychoanalysis, starting from W.Bion

By Luca Caldironi

Salomon saith, There is no new thing
upon the earth. So that as Plato had an imagination,
that all knowledge was but remembrance; so Salomon
giveth his sentence, that all novelty is but oblivion.
Francis Bacon, Essays, LVIII (from J.L. Borges, The Aleph)

"I think it may be erroneous to assume that because there is a past that seems to bear a certain resemblance to the present, the present therefore bears a resemblance to the future, which can be described in terms of the past. I can perfectly well see that there may be a crisis of development in which the human being is absolutely terrified by the fact that the future is unknown, cannot be known by himself at the present time, and may only be known to certain people, described in terms of 'genius' or 'mystic', who have a peculiar relationship with reality."

(W.Bion, Cogitations, 1992)

Our intention, with this work, is to accept Bion's invitation, when he urges us to transform, a spur towards wisdom which is not, and cannot be, limited just to intelligence. Furthermore, we believe this commitment to be "urgent" and that it should arouse our own sense of accountability. As a matter of fact, there is a distance between the (easy) cognitive, fascinating technique-derived solutions and the difficult and painful ones of the inner growth. Thus, it becomes more important to be enigma-oriented, rather than solution-oriented, letting a state of suspension of judgment, of waiting prevail, with the ensuing development of a constantly open thought. The vision, like the issue we are trying to bring forward, proceeds from different points, trying to find a margin, by way of a strategic deviation. Fostering the emergence of the unthought-of, by way of a deviation, a retreat, to bring the different perspectives back into play.

We consider psychoanalysis as a cognitive practice that, born as the study of individuals' minds, has then always demonstrated to be a useful ariadne's thread="" in relation to the possibility of exploring ever new labyrinths of the mind, involving heterogeneous fields of knowledge, different places and cultures.

We will see how these ideas have become a common heritage, both of the different scientific and cultural areas, and the artistic languages and how psychoanalysis too can treat them and which language it can use. On this point, we know the extent to which cut crosswise through these different fields of knowledge.

Getting inspiration from the conceptual artist Lawrence Weiner (Biennale of Contemporary Art, Venice 2007): "Matter so shaken to its core to lead to a change in inherent form", let us consider the extent to which we too feel, during the analytic work "so shaken". Pushed to a transforming process involving our deepest parts, the "core", something not involving just the "form", but the "sub-stantia" itself.

To explore these contents, we used the communication resources offered by the "myth". As a matter of fact, from Bion (1963), we know that: "the myth may be regarded as a primitive form of pre-conception and a stage in publication, that is, in communication of the individual's private knowledge to his group". The myth, an actual "collective transitional object" is to be found at the intersection between individual reality and the collective and social one, hence the great importance that this has for the investigation and the experience of the psychic life.

On this point, what seemed particularly useful to us is the comparison between the mythical perspective, that is present in Indian culture, with the 'ontogenetic' one offered by psychoanalysis. So, assessing the extent to which this relationship fosters a multi-perspective stare, a multi-dimensional thought, that is what, at first, makes this world look apparently 'confusive' to us westerners, forcing us to face the faultiness of our categorizations.

In particular, we used a cosmogonic myth of the Rig- Veda[1], (a sort of emotional ideogram of the thought theory), to get closer to the questions: How to think about the thought? and How to think the thought? Proceeding in an asymptotic way, through the themes of the origin, the thought and its transformations within the relation existing between and .

1-Then was not non-existent nor existent: there was no realm of air, no sky beyond it. What covered in, and where? And what gave shelter? Was water there, unfathomed depth of water? [2-3-4-5…]

6-Who verily knows and who can here declare it, whence it was born and whence comes this creation? The Gods are later than this world's production. Who knows then whence it first came into being? 7- He, the first origin of this creation, whether he formed it all or did not form it, Whose eye controls this world in highest heaven, he verily knows it, or perhaps he knows not.

(Book X, Hymn CXXIX, Rig-Veda)

Referring to this as to the experience of the 'without shape', the 'without limit', the 'without order', the 'non-defined', of the transitory and as Corrao (1990) reminds us, relating it to the psychoanalytic experience [too]: "The free association, revealing a consistent theme, is already influenced by the anxiety and so the consistency of ideas can be considered as a defense organization. At times, the patient needs the analyst to notice the lack of meaning, typical of 'a peaceful mental state' without communicating it, that is, without the need to organize such lack of meaning. The organization of the non-meaning is an exception, just like the organized cosmos is a denial of chaos. (…) It is only here, in this unintegrated state of the personality, that what we call creative, cognitive, can appear. When the creative, the inventive, can be mirrored and only if it can be mirrored, it can become part of an identified, organized personality…".

In the analytic couple, all this is translated into the possibility to let oneself be surprised, to tolerate the frustration and the fear to be destroyed by an internal implosion, to be crushed or fall to pieces. Thus, it becomes more and more important to develop a containing and transforming area. A true transitional area to contain turbulences, fears and the "fears without a name". The latter, little by little, through the narrative process, can be symbolized and named; shifting from the state of anxiety existing in the relationship between "thing" and "nothing", to its evolutionary declension in the relationship between "thing" and "no-thing".

Actually, there is a difference between fostering the increase of defenses ("a help to be stronger", "coming off well!"), and the possibility to "let oneself go", despite the terror, to be able to "get in the situation" more and more and in the fact of listening to oneself and one's own fears.

These aspects will be exemplified by way of the clinical situation offered by P., a young patient who came to see us because of a deep discomfort, hindering him in his affective relationships.

We will see how, after a long initial period of the analysis, during which no dreams made their appearance, something broke and several dreams in a row came up. There is no intention of expatiating upon contents, which echoed old anxieties, but rather upon the fact that, as he himself observed, "the apnea had been shattered". The shouts and screams of his family of origin finally leave the field to the expression of his words, and the chains, which used to oppress him with the weight of things unseen and unsaid, take up new dimensions and characters. Little by little, he comes out of a sentence of circularity without a way out, to enter the experience of re-including his own story and unfolding it.

A. is the second clinical case: the trust in the surrender to the present and the emotional experience leads to the possibility of recovering the capacity to experience feelings and also to the physical experience. A. has started to "notice" and to realize how expressing her anger is translated into a stronger tonicity, into an energy that is useful to her.

She acknowledged, by way of the feelings she experienced, the extent to which a primary affective need affects her, internally, where the mother-father is still a united whole, where the of a presence, even painful, involves her world before the words. Together we can observe the way in which our work allowed her to feel both her "wailing", her "painful roots" and that sense of inevitable observation (a sort of biologic inheritance) of a structural, congenital unworthiness to be accepted.

In the third clinical case, N. appears to us like someone who has not experienced the body of the desire, the body of the fact of feeling thought as free and independent, free in his thoughts. He appears like someone who has experienced his body caged in someone else's thoughts. All along the analytic work, we will see how it is possible to both the risks of a 'break-up', as fragmentation of a unitary thought, and through those of 'break-down', as complete collapse.

In such a situation, the setting and its construction represented both the possibility of providing a and, together with the ongoing observation of the transference, of offering a support, a sort of , a frame, for the ever new tissues that were developing. Just like the spine is made up of small segments and caesurae, also our being together was experienced inside the fragmentation of time and space, in an analytic work that, from a has been able, gradually, to restore a sleep-dream-wake rhythm, without falling into pieces or in the anxiety of the void, a shift from an "exo-skeleton" to an "endo-skeleton". And so, by way of free associations and the analysis of the transference, subsequent caesurae follow one another and, in the analytic space-time, little by little outline better defined contours. He had always remained absorbed inside global relationships but now he can, through the transitive thought and transience as a structural aspect of the analytic condition, limit his falling into pieces and sinking into the "void", go through progressive organizations of the personality.

To conclude

Observing our field of clinical intervention, we can state that more and more often, as analysts, we work with patients for whom the analytic treatment is not "the" intervention method, but only "one" of those possible.

Starting from the presented clinical situations and our daily activity, we can state that there is nothing more "natural" than our emotional world and at the same time, there is nothing more than this that one defends against. Bringing closer together the world of emotions, thought and thinkability is the present challenge of the human being, to remain psychologically alive.

Also, and most of all, thanks to psychoanalysis we know the extent to which the idea itself of knowing soon leaves its natural component to shift and enter an exhausting work of continuous differences and choices that the subject of knowledge must actively operate.

In the "container-content" dialogue, concerning both the different aspects of the personality and the turbulences between calcified or insuperable gaps, to which emotions that take on words such as birth, adolescence, latency, marriage, death are associated with, we find the thread of the topic, the language of possibility. A language bearing the burden of thinking, that through thought, penetrates the of the φρέν, mind-emotion-soma.

(Venice, 21.01.09)

Luca Caldironi